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Sonderausstellungen
Albertina
Surrealistische Druckgrafik aus der Sammlung Gilbert Kaplan
bis 15.
Januar 2012
Zum Jahresende steht die Albertina ganz im Zeichen des Surrealismus:
Parallel zur Magritte-Ausstellung zeigt die Albertina die Sammlung surrealistischer Druckgrafik des New Yorker
Unternehmers und Gustav Mahler-Spezialisten Gilbert Kaplan. Sie enthält Werke von Max Ernst, Salvador Dalí, Joan Miró,
Pablo Picasso und vielen anderen prominenten Vertretern dieser Kunstrichtung. Gemeinsam ist diesen Künstlern eine mehr
oder weniger automatistische Arbeitsweise sowie die Beschäftigung mit dem Unwirklichen und Traumhaften.
Die in der Ausstellung gezeigten Grafiken verdeutlichen auf beeindruckende Weise, wie eng das Reale
und das Irreale in der surrealistischen Kunst beieinander liegen.
Zwischentöne - Die Sammlung
Forberg
bis 22. Januar 2012
Die Sammlung Forberg
wurde 2007 von Mathias und Eva Forberg als unbefristete Dauerleihgabe der Albertina übergeben. Die 40 herausragende
Werke umfassende Dauerleihgabe ergänzt die bestehende Sammlung der Albertina vor allem im Bereich der klassischen
Moderne. Sie umfasst Gemälde und Skulpturen, Arbeiten auf Papier und Druckgrafiken von außergewöhnlicher Qualität u.a.
von Picasso, Lyonel Feininger und Fernand Léger, Werke der Künstler des "Blauen Reiter", wie Alexeij Jawlensky und
Wassily Kandinsky oder des mit ihnen verbundenen August Macke, der "Brücke" - Maler Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller
und Max Pechstein, der "Bauhaus" - Künstler Lazlo Moholy-Nagy und Oskar Schlemmer.
Herzstück der
Sammlung Forberg bildet jedoch eine exquisite Auswahl von Werken Paul Klees. Grundstock für die heutige Sammlung
Forberg bildete die Sammlungstätigkeit des Vaters von Mathias Forberg, Kurt Forberg. Kurt Forberg war eine an vielen
Kunstsparten interessierte Persönlichkeit, sein besonderes Engagement galt der bildenden Kunst. Seit den 1950er Jahren
hatte er eine umfassende, von großer Kennerschaft und Leidenschaft für die Moderne getragene Kunstsammlung angelegt,
die nach seinem Tod durch Erbe mehrfach geteilt und durch Verkauf teilweise in alle Welt zerstreut wurde.
Die Albertina zeigt nun erstmals geschlossen die Werke der heutigen Sammlung Forberg sowie eine
Auswahl jener Meisterwerke, die bereits von Kurt Forberg erworben wurden, heute aber im Besitz anderer internationaler
öffentlicher und privater Sammlungen sind.
René Magritte. Das Lustprinzip
bis 26. Februar 2012
Gegen Ende des Jahres 2011 wartet
die Albertina mit einem Ausstellungshighlight auf: René Magritte, einer der bekanntesten und beliebtesten Künstler des
zwanzigsten Jahrhunderts, wird umfassend gewürdigt. Mehr als 150 Werke aus aller Welt und aus allen Stadien seines
künstlerischen Werdegangs werden in der Ausstellung gezeigt.
Die in Kooperation mit der Tate Liverpool
konzipierte Schau beschäftigt sich mit bislang wenig erforschten Aspekten in Magrittes Leben und künstlerischer Praxis.
Im Zentrum stehen seine künstlerischen Methoden: der Gebrauch immer wieder kehrender Gegenstände, das allgegenwärtige
Thema der Ver- und Enthüllung sowie die Auseinandersetzung mit dem alltäglich Banalen und Erotischen. Ein wesentlicher
Aspekt ist die Beziehung seiner Malerei zu seiner frühen Tätigkeit als Werbegrafiker, was anhand von Hauptwerken und
frühen Werbearbeiten des Künstlers sowohl im Inhalt als auch im formalen Einfluss nachvollziehbar wird.
Einen zusätzlichen Schwerpunkt setzt die Ausstellung durch einen konzentrierten Blick auf Magrittes
Lebens- und Arbeitsweise, die anhand von umfassendem Foto- und Filmmaterial sowie durch originale Schriften
dokumentiert werden.
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10 - 18 Uhr, Mittwoch 10 - 21
Uhr
Albertina - Albertinaplatz 1, 1010 Wien
Tel. +43
(0)1 534 83-0; Fax: +43 (0)1 534 83-430
E-Mail: info@albertina.at - Internet: www.albertina.at
Kunsthistorisches Museum Wien
Wintermärchen
Winter-Darstellungen in der europäischen Kunst von Bruegel bis
Beuys
bis 8. Januar 2012
Eine Ausstellung des
Kunsthistorischen Museums und des Kunsthaus Zürich
Gastkurator: Ronald de Leeuw, Amsterdam
Die Mythen, mit Hilfe derer die großen Kulturen die Entstehung der Welt zu erklären versuchten, sind
sich meist einig: der Winter kam als Bestrafung und als Plage auf die Erde. Boreas, der griechische Gott des
Nordwindes, wurde zum personifizierten Winter. In der nordischen Mythologie kündigt eine dreijährige Frostperiode das
Ende der Welt an.
Großformatige Darstellungen der in Eis und Schnee stecken gebliebenen napoleonischen
Armee, versunken in Not und Elend, bieten ein gleichsam modernes Äquivalent zu antiken Weltuntergangsszenarien. Am
anderen Ende des Darstellungsspektrums finden sich stille Ruhe und sorglos ausgelassene Stimmung: In der Nähe
schneebedeckter weiter Ebenen beobachtet man auf zugefrorenen Gewässern die Freuden der Eisläufer. Im späten 18.
Jahrhundert erlebt die Winterlandschaft ein künstlerisches Revival, nachdem sie zuvor aus der Mode gekommen war:
zunächst romantisch verklärt, später konzentriert auf das äußere Erscheinungsbild der winterlichen Farbnuancen.
Impressionistische Kunst, holländische Malerei und variantenreiche Landschaftsdarstellungen – das
waren die Ingredienzien der wenigen bisher veranstalteten Ausstellungen zum Thema „Winter“. Diese erfolgreiche Trias
haben Kunsthistorisches Museum und Kunsthaus Zürich nun wesentlich erweitert. Über Genre- und Landesgrenzen hinweg
präsentieren die beiden Häuser eine breit gefächerte Auswahl von 180 (Wien) bzw. 120 (Zürich) westeuropäischen
Kunstwerken. In vier großen Sälen und neun Kabinetten wird im KHM fulminant inszeniert: Weißer Boden und goldene Wände
stimmen auf die kalte Jahreszeit ein. Die chronologische Reihe der Werke reicht von 1450 bis in die Gegenwart. Neben
den schon genannten Themen finden sich niederländische Monatsallegorien, Szenen winterlicher Feste und Bräuche oder
auch Stillleben. Selbst Porträts passen ins Bild, geben sie doch Einblick in die jeweiligen Wintermoden.
Diese im Wesentlichen chronologisch arrangierte Gemäldeauswahl konnte Kurator Ronald de Leeuw mit
großformatigen Tapisserien und einem herrschaftlichen Karusselschlitten, aber auch mit Pokalen, filigranen
Porzellanfiguren und kostbaren Steinschnittobjekten auf charmante Art und Weise bereichern. Die vielen, in dreijähriger
Vorbereitungszeit erfolgreich verhandelten Leihgaben kommen u. a. aus Amsterdam, München, London, Paris, Straßburg,
Rotterdam, Dresden, Zürich, Philadelphia, Darmstadt, Edinburgh, Köln, Den Haag, New York, Gent, Weimar und Boston. Der
für eine Ausstellung, die sich dem Winter widmet, unverzichtbare Höhepunkt stammt jedoch aus dem Besitz des
Kunsthistorischen Museums selbst: Pieter Bruegels d. Ä. Gemälde „Jäger im Schnee“ ist das wohl berühmteste Winterbild
der westlichen Kunstgeschichte. Die große Holztafel ist nicht leihfähig und wird daher nur in Wien zu sehen sein.
Neben Pieter Bruegel werden u.a. Werke von Jacob van Ruisdael, Hendrick Avercamp, Jan van Goyen, Aert
van der Neer, Peter Paul Rubens, Jan Steen, Jacob Jordaens, William Turner, Francisco de Goya, Caspar David Friedrich,
Gustave Courbet, Jean-François Millet, Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Vincent van Gogh, Giovanni
Segantini, Edvard Munch, Joseph Beuys und Anselm Kiefer zu sehen sein.
„Alles ist sehr schön
ausgefallen …“ (Kaiser Franz Joseph I.)
120 Jahre Kunsthistorisches Museum
bis 8. Januar 2012
Seit bereits 120 Jahren stehen die
Sammlungen des Kunsthistorischen Museums den Besuchern aus aller Welt zur Verfügung: Mit der offiziellen Eröffnung am
17. Oktober 1891 durch Kaiser Franz Joseph I. nahm das k. k. kunsthistorische Hofmuseum, wie das Haus am Ring bis 1920
hieß, seinen Dienstbetrieb auf.
Die Errichtung hatte nach den Plänen von Gottfried Semper und Karl
Hasenauer bereits 1871 begonnen. Obwohl das Gebäude 1881 weitgehend fertiggestellt war, dauerte es jedoch noch weitere
zehn Jahre, bis die zuvor auf mehrere Standorte verteilten kaiserlichen Sammlungen im neuen Haus am Ring erstmals
zentral aufgestellt waren.
Dem Anlass entsprechend wurden zur feierlichen Eröffnung durch Franz Joseph
alle Persönlichkeiten von Rang und Namen im Wien des Fin de Siècle geladen. Der Kaiser zeigte sich bei seinem Rundgang
durch das neue Haus mit dem Ergebnis sehr zufrieden und bedankte sich in der Kuppelhalle persönlich bei den beteiligten
Künstlern, Industriellen und Werkmeistern. Die Zeremonie dauerte insgesamt etwa zwei Stunden.
Aus
Anlass des heurigen Jubiläums präsentiert das Archiv des Kunsthistorischen Museums eine Kleinausstellung. Anhand
eigener Archivalien und Realien, Leihgaben aus der Bibliothek des Kunsthistorischen Museums sowie aus dem Haus-, Hof-
und Staatsarchiv gibt sie Einblicke in die Vorgänge rund um die Eröffnung 1891, von den umfassenden Planungen des Hofes
über den Ablauf des Protokolls bis hin zur Resonanz in der Öffentlichkeit und den Medien.
ÖFFNUNGSZEITEN: Dienstag bis Sonntag 10 - 18 Uhr; Donnerstag 10 - 21 Uhr
Kunsthistorisches Museum Wien - Burgring 5, 1010 Wien
Tel. +43 1 525 24-
0; Fax +43 1 525 24- 4099
E-Mail: info@khm.at - Internet:
www.khm.at
Museum für Völkerkunde
Abenteuer Wissenschaft
Etta Becker-Donner in Afrika und Lateinamerika
bis 19. März 2012
Etta Becker-Donner (1911–1975) war von
1955 bis 1975 Direktorin des Museums für Völkerkunde, Wien. Als erste (und lange Zeit einzige) Direktorin eines
Bundesmuseums war sie eine markante Figur in der österreichischen und internationalen Museumslandschaft und sie hat auf
besondere Weise den Wiederaufbau und die Neuausrichtung des Museums für Völkerkunde nach den Kriegsjahren geprägt. Ihre
Darstellung als heroische Pionierin, die einerseits im „wilden exotischen Urwald“ überlebte und sich später in der
männlich dominierten Wissenschafts- und Museumswelt durchsetzte, konstruierte in der Öffentlichkeit ein Bild von ihr,
das zu ihrer eigenen Bekanntheit, aber auch zu jener des Museums und des Faches der Ethnologie in Österreich beitrug.
Auf der anderen Seite warf dieses Image der Abenteurerin einen Schatten auf ihre wissenschaftlichen und musealen
Errungenschaften, die bisher kaum gewürdigt wurden.
Die Ausstellung findet anlässlich des hundertsten
Geburtstages von Etta Becker-Donner statt und rückt eine prägnante Auswahl ihrer Sammlungen aus Liberia, Brasilien und
Mittelamerika aus den Beständen des Museums für Völkerkunde ins Zentrum. In der gezeigten Auswahl bestechen die Masken
und Figuren der Dan aus Liberia durch ihre ästhetische Ausdruckskraft. Die Alltagsgegenstände der Warí aus Brasilien
stellen heute faszinierende historische Zeugnisse des Erstkontaktes dar, die sowohl für die heutige Forschung als auch
für die Warí selber einen hohen Stellenwert einnehmen. Die Beispiele aus dem Bereich der lateinamerikanischen
Volkskunst begeistern durch ihre Lebendigkeit, ihre Spiritualität und ihre Verbundenheit mit der lokalen Festkultur.
Der zur Ausstellung erscheinende Katalog gibt zum ersten Mal einen Überblick über das Lebenswerk
dieser beeindruckenden Frau und stellt es in einen zeitgenössischen Kontext.
Wald / Baum /
Mensch
bis 28. Mai 2012
Die Generalversammlung
der Vereinten Nationen hat das Jahr 2011 zum „Internationalen Jahr des Waldes“ erklärt. Mit der Sonderausstellung
„WALD“ greift das Museum für Völkerkunde einen höchst aktuellen Diskurs auf und setzt sich zum Ziel, ausgehend von den
eigenen Sammlungsbeständen die Aufmerksamkeit der BesucherInnen auf die vielfältigen und kulturell bedingten
Umgangsformen der Menschen mit dem Thema „Wald und Baum“ zu lenken.
Anhand spezifischer Themenfelder
und Schlüsselexponate beleuchtet die Ausstellung aus kulturanthropologischer Sicht die Variationsbreite, die das
Verhältnis zwischen Mensch und Wald bzw. Baum unabhängig von Zeit und Raum kennzeichnet. Zugleich verweist die
Ausstellung auf die Vielfalt der Sammlungsbestände des Museums für Völkerkunde.
ÖFFNUNGSZEITEN:
Täglich außer Dienstag von 10 bis 18 Uhr
Museum für
Völkerkunde - Neue Burg, Heldenplatz, 1010 Wien
Tel. +43 1 525 24- 0 | Fax +43 1 525 24- 5199
E-mail: info@ethno-museum.ac.at - Internet:
www.ethno-museum.ac.at
Österreichisches Theatermuseum
Zauber des bunten Schattens
Das chinesische Schattentheater
bis 5. März 2012
Das chinesische Schattenspiel hat eine
Geschichte von ca. 1300 Jahren. Zunächst benützten buddhistische Mönche Papierfiguren, um Szenen aus dem Leben Buddhas
zu zeigen. Das sahen die Geschichtenerzähler und bedienten sich dieses Mediums, um ihre Sagen und Legenden zu
illustrieren. Da sich das Papier rasch abnützte, wurden die Schattenfiguren später aus Leder gefertigt. Das
Österreichische Institut für China- und Südostasienforschung besitzt tausende dieser Kunstwerke aus Rinds-, Esel- und
Kamelleder sowie aus Karton und Plastik. Etliche davon sind an die 200 Jahre alt und viele sind von berühmten Meistern
hergestellt worden. Neben den einzelnen Figuren gibt es große Bühnenbilder aus den berühmten Stoffen wie „Reise nach
dem Westen“, „Die Weiße Schlange“ oder „Die Frauengeneräle der Familie Yang“. Außer diesen klassischen Stücken werden
auch Unikate von modernen Schattenspielen gezeigt, welche sich nur im Besitz des Instituts befinden. Die Präsentation
wird sämtliche Stile des chinesischen Schattentheaters zeigen und von Vorführungen eines Schattentheaters aus Changsha,
Provinz Hunan, begleitet werden.
Die Ausstellung wird im Rahmen des China-Jahres 2011 gezeigt und ist
eine Kooperation des Österreichischen Theatermuseums und des Österreichischen Instituts für China- und
Südostasienforschung.
Heinrich von Kleist, 1777-1811
bis
9. April 2012
„Ein freier denkender Mensch bleibt da nicht stehen, wo der
Zufall ihn hinstößt; oder wenn er bleibt, so bleibt er aus Gründen, aus Wahl des Bessern.“
Als Kleist im Mai 1799 diese Worte an seine Schwester Ulrike schrieb, hatte er gerade seine Wahl getroffen, sich dem
„Zufall“, seiner durch Herkunft und Tradition vorbestimmten Rolle, entgegengestellt und mit der Verwirklichung seines
eigenen Lebensplans begonnen. Nach „sieben unwiederbringlich verlornen Jahren“ im preußischen Militärdienst bat Kleist
1799 um Demissionierung und schrieb sich an der Universität seiner Heimatstadt Frankfurt an der Oder als Student ein.
Die Selbstgewissheit, den richtigen Lebensweg gefunden zu haben, hielt nicht lange; schon nach drei Semestern brach
Kleist sein Studium ab und zu neuen Ufern auf.
Kleists ungewöhnlicher und ruheloser Lebensweg führte
ihn durch ein ruheloses Europa. Er war als fast noch Kind schon Offizier, als Student dann älter als die meisten seiner
Kommilitonen, war Reisender, vermeintlicher oder tatsächlicher Spion, Beamter, Kriegsgefangener, Herausgeber,
politischer Propagandist, Boulevardjournalist, die Konventionen kenntnisreich nutzender Nonkonformist – und vor allem
ein Dichter, unter den merkwürdigsten und schwierigsten Bedingungen. Im Ringen um die unbedingte Verwirklichung des
eigenen Anspruchs schuf Kleist in wenigen Jahren ein literarisches und journalistisches Werk, das 200 Jahre später
moderner denn je ist.
Die Biographen des 19. und 20. Jahrhunderts sahen Kleist vornehmlich als einen
an der Zeit gescheiterten Dichter, dessen Leben sich folgerichtig auf ein tragisches Ende hin bewegt hatte. Doch nicht
das temporäre oder partielle Scheitern Kleists an sich selbst oder an den Umständen steht im Mittelpunkt der
Ausstellung, sondern seine wichtigen und manchmal überraschenden Entscheidungen. Sein Gedanke vom Lebensplan lässt sich
so bis zu seinem spektakulären Freitod am 21. 11. 1811, dem Höhepunkt seiner Selbstinszenierung, weiter verfolgen.
Als Leitmotiv der Ausstellung anlässlich des Kleistjahres 2011 dienen die Selbstäußerungen Kleists in
seinen Briefen, in all ihrer Widersprüchlichkeit und Zerrissenheit. So entsteht ein Bild des Dichters, das ergänzt wird
mit Exkursen zu einigen seiner Dramen, zum Beispiel dem am 17. März 1810 im Theater an der Wien uraufgeführten
„Käthchen von Heilbronn“, und mit Beispielen seiner journalistischen Tätigkeit als Herausgeber der ersten Boulevard-
und Tageszeitung Berlins. Die gezeigten Exponate reichen vom Autographen des „Zerbrochnen Krugs“, dem einzigen
überlieferten Originalmanuskript Kleists (eine Leihgabe der Staatsbibliothek zu Berlin, Preußischer Kulturbesitz), über
wertvolle Handschriften aus Wiener und Frankfurter Beständen bis zu den wenigen materiellen Spuren seines Lebens.
Die Ausstellung wurde von Anette Handke und Andreas Kugler kuratiert, von Gerhard Veigel gestaltet und
entstand als Kooperationsprojekt des Österreichischen Theatermuseums und des Kleist-Museums in Frankfurt an der Oder,
das über die umfangreichste Sammlung zu Heinrich von Kleists Leben und Werk verfügt.
Spielräume.
Bühnenformen im Modell
Acht Beispiele aus der Sammlung des Österreichischen
Theatermuseums
verlängert bis 30. Juli 2012
Im
Laufe der Jahrhunderte entwickelten sich die unterschiedlichsten Formen von Bühnen- und Zuschauerräumen. Je nach Epoche
und Weltbild sind Stellenwert und optische Gestaltung der Theaterräume mannigfaltig: Im Mittelalter bilden sakrale oder
profane Orte die Spielbühne, auf der Zuschauer und Darsteller gemeinsam agieren. Das Kirchenschiff oder der Marktplatz
kennzeichnen die Spielorte, zu denen Publikum und Darsteller gemeinsam ziehen, um der meist liturgischen Handlung zu
folgen (Simultanbühne).
Erst in der Renaissance und in der Barockzeit ließen Herrscher, adelige
Familien oder reiche Kaufleute und Stadtherren als Machtdemonstration und zu Repräsentationszwecken eigene Gebäude für
den Theaterspielbetrieb erbauen. Der Zuschauerraum wird nun durch das Proszenium vom Bühnenraum getrennt. Es entstand
die Guckkastenbühne, wie sie auch heute noch in den großen Opern- und Sprechtheatern präsent und prominent ist. Bis in
das 20. Jahrhundert blieb diese Bühnenform der Rahmen für illusionistisches Dekor zur Illustration der Handlung.
Für einen raschen Szenenwechsel werden bemalte Leinwände (Kulissen) auf fahrbare Rahmen gespannt und
hintereinander gestaffelt in den „Guckkasten“ gesetzt und hin- und herbewegt (Kulissenbühne); der Bühnenboden als
Scheibe auf drehbare Konstrukte gestellt, intensiviert und fördert einen ungebrochenen Handlungsablauf (Drehbühne).
Programmatische Schriften, Theaterarbeiten engagierter Architekten und Theateravantgardisten sowie
nicht zuletzt technische Errungenschaften, wie die Einführung des elektrischen Lichts in den Theatern, ließen
Experimente im Umgang mit dem Bühnenraum zu. Das Modell der Raumbühne von Friedrich Kiesler oder die Idee von Hans
Fritz, aus Würfeln und anderen geometrischen Formen ein Bühnenbild zu abstrahieren, stehen stellvertretend für Versuche
einer Neuorientierung im Bühnen- und Theaterbau.
Exemplarisch können die ausgewählten Modelle nicht
nur einige formale Kriterien der Spielräume, sondern auch die unterschiedlichen Positionen des Publikums zur Bühne
zeigen. Wie sich der Darstellungsstil im Zusammenhang mit der Bühnenform verändert – vom Simultanspiel über das
Rampenspiel zum Raumspiel – kann so anschaulich erläutert und nachvollzogen werden.
ÖFFNUNGSZEITEN:
Täglich außer Dienstag 10 bis 18 Uhr
Österreichisches
Theatermuseum - Lobkowitzplatz 2, 1010 Wien
Tel.: (+43 1) 525 24 - 3460; Fax: (+43 1) 525 24 -
5399
E-mail: info@theatermuseum.at - Internet:
www.theatermuseum.at
Österreichische Galerie Belvedere
Utopie GESAMTKUNSTWERK
21er Haus
20. Jänner – 20.
Mai 2012
Die Ausstellung Utopie GESAMTKUNSTWERK präsentiert einen
zeitgenössischen Blick auf die historische Idee des Gesamtkunstwerks. Mit gebotener Skepsis greifen Künstler diese
historische Denkfigur heute wieder auf und hinterfragen damit auch die Geschichte der Moderne kritisch: Mit dem Umbruch
der Avantgarde nach 1918 und den Werktheorien von Schwitters, Duchamp oder Artaud trat in der Kunst ein ganzheitliches
und gesellschaftskritisches Denken in Kraft.
Die ursprünglich rein ästhetische Idee des
Gesamtkunstwerks erfuhr dadurch eine Neudefinition, die über sozial- und institutionskritische Kunst auf eine
Erneuerung der Gesellschaft abzielte.
Gesellschaftliche Entwicklungen wie Neoliberalisierung,
Standardisierung und Funktionalisierung, aber auch die politische Neuordnung nach dem Fall des Eisernen Vorhangs oder
die Ereignisse des 11. September wirken sich heute auf soziale Dynamiken aus und sorgen für Verunsicherung. Der Wunsch,
diese Gesellschaft wieder lebenswerter zu machen, und die Frage, welche Lebensmodelle noch oder wieder möglich sind,
stehen deshalb auch zunehmend im Brennpunkt künstlerischen Interesses.
Anhand von 54 nationalen und
internationalen Positionen wird in Utopie GESAMTKUNSTWERK die Kunst nach 1960 zu den Möglich- oder
Unmöglichkeiten befragt, die übrig gebliebenen Fragmente der Idee des Gesamtkunstwerks neu zu lesen.
In einem übergreifenden Display hat die Künstlerin Esther Stocker für Utopie GESAMTKUNSTWERK eine
Bühne für Arbeiten von Künstlern wie Walter Pichler, Constanze Ruhm, Hans Hollein, Joseph Beuys, VALIE EXPORT, Liam
Gillick, Una Szeemann, Jason Rhoades, Gerwald Rockenschaub, Thomas Hirschhorn oder Christoph Schlingensief geschaffen.
Kuratoren: Bettina Steinbrügge, Harald Krejci
21er Haus
- Schweizergarten, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Tel. +43 1 795 57 -707 / E-Mail:
public@21erhaus.at
ÖFFNUNGSZEITEN: Mittwoch
bis Sonntag 10 bis 18 Uhr
Eröffnung 21er Haus: „Schöne Aussichten!“
21er Haus
bis 8. Jänner 2012
Bei der
Eröffnung des neuen 21er Haus im Rahmen der Vienna Art Week werden das Gebäude des ehemaligen Weltausstellungspavillons
selbst und seine renovierte Architektur im Vordergrund stehen. Wir präsentieren nicht nur die Geschichte des Hauses,
sondern es geht uns um das, was diese in Gang setzt oder unterbricht, rhythmisiert oder umdeutet. Aus diesem Grund
haben wir verschiedene Künstler eingeladen, sich mit der Architektur wie auch mit der Frage nach einem neuen Museum zu
beschäftigen, bzw. bestehende künstlerische Arbeiten ausgewählt, die für uns wichtige Fragen zum zukünftigen Museum
aufwerfen.
Die einzigartige Architektur ermöglicht eine vielseitige Nutzung, die innerhalb eines
abwechslungsreichen Programms, bestehend aus künstlerischen Interventionen und zahlreichen Veranstaltungen wie
Konzerten, Führungen und Diskussionsrunden, aufgezeigt wird. Jede einzelne künstlerische Intervention nähert sich auf
individuelle Art und Weise dem Haus und verwandelt es in ein freies Experimentierfeld, auf dem sich die
unterschiedlichen künstlerischen Disziplinen begegnen und überlagern können. Große rote Teppichläufer aus Filz werden
ihren Weg bahnen und uns begleiten. Eine Soundarbeit wird die Grenzen zwischen Körper und Architektur aufheben, ein
„Ambiente spaziale“ wird den Raum in eine neue Dimension hinein öffnen und sich so von der Architektur emanzipieren.
Eine filmische Arbeit wird den transitorischen Moment von Vergangenheit und Zukunft vermitteln, in dem sich das Haus in
die Geschichte einschreibt. Im Kino wird ein neuer Filmzusammenschnitt von Wilhelm Gaube und in Kooperation mit dem
Filmarchiv Austria ein Zusammenschnitt der Wochenschauen über das 20er Haus gezeigt. Dem gegenüber steht eine filmische
Installation, die Kunstgeschichte reflektiert und über das Museum von morgen spricht. Dann wiederum lassen wir Künstler
sprechen, die zu Fragen von Kunst, Alltag, Medien und Markt Stellung beziehen und dabei vorwegnehmen, was auch im 21er
Haus diskutiert werden soll.
Gezeigt werden Installationen von Lucio Fontana, Andrea Fraser, Marcus
Geiger, Florian Hecker und Sasha Pirker sowie Künstlerräume von Oswald Oberhuber, Christian Philipp Müller, Sofie
Thorsen, Franz West und museum in progress.
Kuratoren: Bettina Steinbrügge, Cosima Rainer
21er Haus - Schweizergarten, Arsenalstraße 1, 1030 Wien
Tel. +43 1 795 57 -707 / E-Mail: public@21erhaus.at
ÖFFNUNGSZEITEN: ab 16. Nov.: Mittwoch bis Sonntag 10 bis 18 Uhr
Curt Stenvert. NEODADAPOP
Orangerie, Unteres Belvedere
bis 15. Jänner 2012
Der österreichische Avantgardist
Curt Stenvert (1920-1992) trat zunächst als Maler in Erscheinung, ehe er durch Experimental-, Lehr- und Spielfilme und
ab 1962 mit seiner Objektkunst international Beachtung fand. Poetische Plastiken und Assemblagen erzählen von den
biologischen, psychologischen, soziologischen und philosophischen Bedingungen der menschlichen Existenz.
Zeitgemäß interpretierte Stenvert Kunst als soziales Medium und gab mit seinen Arbeiten den
Studentenunruhen und Bürgerprotesten oder dem Antikriegsaktivismus eine eigene Sprache. Die erfolgreiche Präsentation
seines „Objektpanoptikums“ 1966 bei der Biennale in Venedig und seines Hauptwerks „Stalingrad“ 1967 in Paris führte zu
Einzelausstellungen in großen Museen in Italien, Schweden oder Deutschland. Das Belvedere zeigt nun eine umfangreiche
Werkschau Stenverts, in der insbesondere die künstlerischen Bezüge zu Neosurrealismus, Neodada, Fluxus und Nouveau
Réalisme aufgezeigt werden. Neben D. Spoerri, W. Vostell, Arman, R. Lindner werden auch Werke von M. Duchamp und J.
Heartfield zu sehen sein.
Kurator: Harald Krejci
Unteres Belvedere,
Orangerie - Rennweg 6, 1030 Wien
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10 bis 18 Uhr,
Mittwoch 10 bis 21 Uhr
Gustav Klimt / Josef Hoffmann. Pioniere der Moderne
Unteres Belvedere
bis 4. März 2012
Das
Belvedere besitzt die weltgrößte Sammlung von Gemälden Gustav Klimts und präsentiert den berühmten Künstler im Herbst
2011 gemeinsam mit dem kongenialen Architekten und Gestalter Josef Hoffmann. Die intensive Zusammenarbeit der beiden
setzte mit der Beethovenausstellung (1902) in der Wiener Secession sowie dem Palais Stoclet (1905-1912) in Brüssel im
Bereich des Gesamtkunstwerks neue Maßstäbe in Europa. Zahlreiche Werke wie z.B. Klimts Bildnis Fritza
Riedler, in dem sich Hoffmanns charakteristische Handschrift deutlich wiederspiegelt, belegen die
wechselseitigen Einflüsse dieser Pioniere der österreichischen Moderne, die die umfassende Sonderausstellung auch in
Bezug zur Wiener Werkstätte untersucht.
Eine Ausstellung in Kooperation mit den Königlichen Museen
Brüssel.
Kurator: Alfred Weidinger
Unteres Belvedere -
Rennweg 6, 1030 Wien
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10 bis 18 Uhr, Mittwoch 10 bis 21
Uhr
Österreichische Galerie Belvedere - Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien
Tel. +43 1 795 57 - 134; Fax: +43 1 79557 - 121
E-Mail:
public@belvedere.at - Internet: www.belvedere.at
MAK - Österreichisches Museum für angewandte Kunst
Patrick Rampelotto. Adventures in Foam
Ausstellungsreihe ANGEWANDTE KUNST.
HEUTE
25. 01. – 06. 05. 2012
Eröffnung:
Dienstag, 24. Jänner, 19.00 Uhr
MAK-Studiensammlung Möbel
Zur Ausstellung
Christoph Thun-Hohenstein, Direktor MAK
Gerald Bast, Rektor Universität für angewandte Kunst
Marlies Wirth, Kuratorin MAK
Im Rahmen einer neuen Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst startet eine
Ausstellungsreihe, die Arbeiten von Absolventen der Angewandten im musealen Rahmen präsentiert. Unter dem Aspekt
„Angewandte Kunst Heute“ werden drei Ausstellungen pro Jahr programmiert, die jeweils in einer Einzelpräsentation
resultieren.
Die erste Ausstellung widmet sich dem Designer Patrick Rampelotto.
Rampelotto (geb. 1978) forscht in seiner Ausstellung nach neuen Formen und Strategien in Verbindung mit
einem ungewöhnlichen Material: Polypropylenschaum. Frei nach Claude Lévi-Strauss (La pensée sauvage, 1962, dt.: Das
wilde Denken, 1968) bezieht sich der Designer bei seinem Abenteuer auf den Begriff der Bricolage (fr. Bastelei) als
einen nicht vorgezeichneten Prozess, eine Bewegung mit möglichen Abweichungen.
Kuratorin Marlies Wirth
Ausstellungsreihe ANGEWANDTE KUNST. HEUTE
Der Begriff „angewandte Kunst“ ist, im
Unterschied zu konkreteren Spartenbezeichnungen, dazu in der Lage, nicht nur die Tendenzen eines zunehmend
konzeptuellen und „künstlerischen“ Designs zu fassen, sondern auch jene zeitgenössischen Entwicklungen, in denen die
„freie“ Kunst ihren Gebrauchswert kritisch hinterfragt und durch konkrete Dienstleistungen, Nutzungsangebote und
Grundlagenforschung für zukunftsweisende Denkansätze und Wirkungsbereiche permanent erweitert. Dabei wird weniger der
Autonomieanspruch der freien Kunst in Frage gestellt, als vielmehr ein Potential deutlich, das das Begriffsfeld der
„angewandten Kunst“ ausdehnen und erweitern könnte.
Industriemöbel. Prototypen der
Moderne
bis 08. 01. 2012
MAK-Studiensammlung
Möbel
Bis heute werden in Fabriken und Industrieanlagen vielfach Möbel verwendet, die von den Arbeitern
und Mechanikern im Eigenbau für bestimmte Zwecke und Tätigkeiten angefertigt und ganz speziellen Produktionsabläufen
angepasst wurden. In ihrer strengen Funktio nalität unterscheiden sich diese einfachen und zweckdienlichen, meist aus
Eisenplatten, Metall-blechen, Stahl rohren und Holzbrettern zusammengeschraubten oder -geschweißten „Industriemöbel“
deutlich von der gleichförmigglatten Ästhetik gegenwärtiger Designermöbel. Seit den 1970er Jahren – seit Ende des
klassischen Industrieund Maschinenzeitalters – kommen Industriemöbel vermehrt auch im Bereich des privaten Wohnens zum
Einsatz, vor allem bei der Aus stattung von Lofts und großstädtischen Apartments. Aber obwohl diese Möbel inzwischen
längst von Liebhabern – darunter häufig Künstler, Designer und Architekten – geschätzt und gesammelt werden und zum
Teil hohe Preise erzielen, stellen sie ein bislang völlig vernachlässigtes Phänomen der Kunstund Design geschichte dar.
Anhand von Arbeitstischen, Industriehockern, Spinden und Werkzeugschränken aus österreichischen Fabriken sowie einigen
internationalen Vergleichsbeispielen präsentiert die Ausstellung erstmals Möbelobjekte, die nicht nur die Arbeits
spuren und Patina des vergangenen Industriezeitalters aufweisen, sondern auch als Inbegriff funktionaler Gestaltung
gelten können.
Kurator Sebastian Hackenschmidt, MAK-Kustode Möbel und Holzarbeiten
Katalog "INDUSTRIEMÖBEL – Prototypen der Moderne", MAK Wien (Hg.), mit
Textbeiträgen von Sebastian Hackenschmidt, Martina Kandeler-Fritsch und Monika Wagner, MAK Studies 20,
deutsch/englisch, 128 Seiten, MAK Wien/Verlag für moderne Kunst Nürnberg 2011, € 25
[MAK
Design Shop]
2 x 100 Beste Plakate im MAK
bis
15. 01. 2012
MAK-Ausstellungshalle
100 BESTE PLAKATE 10. DEUTSCHLAND
ÖSTERREICH SCHWEIZ
Vor genau 101 Jahren brachte Ernst Growald, Leiter der Kunstanstalt Hollerbaum &
Schmidt in Berlin, eine der Maximen im Gestaltungsprozess eines guten Plakats wie folgt auf den Punkt: „Erzähle auf den
Plakaten keinen Roman, denn niemand will sich auf der Straße kalte Füße holen.“ Auch heuer überraschen die Ergebnisse
des Wettbewerbs 100 Beste Plakate 10. Deutschland Österreich Schweiz mit schrillen, witzigen und geistreich
illustrativen Beispielen. Der Wettbewerb gilt als wichtiger Indikator und Gradmesser aktuellen Plakatdesigns in der
Region der D-A-CH-Länder.
Von den diesjährigen 100 Preisträger-Plakaten und -Plakatserien stammen 53
aus Deutschland, 45 aus der Schweiz und zwei aus Österreich.
Das luftige Ausstellungsdesign wurde
dieses Jahr von L2M3 Kommunikations design in Zusammenarbeit mit büro münzing designer+architekten bda konzipiert.
100 BESTE PLAKATE INTERNATIONAL AUS DER MAK-SAMMLUNG
Die Schau wird dieses Jahr von
einem historischen Rückblick auf die 110-jährige Geschichte der Plakat sammlung des MAK begleitet, wobei ein wichtiger
Aspekt der internationalen Designgeschichte von 1890 bis 2010 widergespiegelt wird. Den Grundstock der Sammlung bilden
48 auf der Pariser Weltausstellung 1900 erworbene belgische, französische und italien i - sche Plakate. In Folge waren
sie Initialzündung und Richtschnur zugleich, denn ab diesem Zeitpunkt wurde der Sammlungsschwerpunkt konsequent um
internationale Meisterwerke der Plakatkunst erweitert.
Die Ausstellung repräsentiert die Stärken und
Ausgewogenheit der Sammlung; sie dokumentiert die Entwicklung vom l’art pour l’art verpflichteten Künstlerplakat der
Belle Époque und des Art déco über die innovativen Ideen der „Gebrauchsgrafiker“ der 1920er bis 1930er Jahre hin zum
Berufsbild der Grafikdesigner von heute. Der Bogen umfasst auch Plakate des deutschen politischen Expressionismus der
Novembergruppe und Beispiele des russischen Konstruktivismus. Plakate des Deutschen Werkbunds, die durch experimentelle
Montagen von Typografie und Foto - grafie einen wichtigen Beitrag zum Thema Fotoplakat liefern, bilden mit Beispielen
von Willi Baumeister oder Karl Straub einen weiteren Schwerpunkt der Ausstellung.
Kurator Peter
Klinger, MAK-Bibliothek und Kunstblättersammlung
Katalog "100 Beste
Plakate 10. Deutschland Österreich Schweiz / 100 Best Posters 10. Germany Austria Switzerland."
Mit
Beiträgen von Elvira Barriga, Erich Brechbühl, Stephan Bundi, Peter Klinger, Claude Kuhn, 2xGoldstein und Oliver
Sachsse. Deutsch/Englisch, 217 S., Verlag Hermann Schmidt, Mainz 2011, € 34.80. Erhältlich im MAK Design Shop.
[www.100-beste-plakate.de]
Die zweite Haut
Objekte zum Verpacken und Bewahren
bis 15. 01. 2012
MAK-Studiensammlung Metall
Der Vielfalt an Verpackungen, wie Truhen, Kästchen oder Futteralen, vom Mittelalter bis zur Gegenwart,
ist die Ausstellung gewidmet. Zu sehen sind rund 80 Objekte, wobei das älteste eine Büchse aus Leder und Eisen aus dem
14. Jahrhundert ist.
Um die Vielfalt der Formate und Materialien dieser Behältnisse zu demonstrieren,
werden weitere entsprechende Beispiele – teils mit Inhalt – aus den Beständen der MAK-Sammlungsbereiche Asien, Glas und
Keramik, Möbel und Holzarbeiten sowie Textilien und Teppiche und aus der Bibliothek gezeigt. Vor allem die älteren
Exponate sind verziert und mit sparsamem oder flächen-deckendem Dekor versehen. Dazu gehören Schatullen, Kästchen oder
Schachteln ebenso wie Kabinett-schränke, die zur Lagerung zum Beispiel von Münzen, Medaillen, Steinen, Schmuck etc. von
den Sammlern in Auftrag gegeben wurden.
Kuratorin Elisabeth Schmuttermeier, MAK-Kustodin Metall und
Wiener-Werkstätte-Archiv
ARTISTS' BOOKS ON TOUR
Artist Competition
and Mobile Museum
bis 22. 01. 2012
MAK-Kunstblättersaal
Um das vielschichtige Genre des Künstlerbuchs einer breiteren Öffentlichkeit
näherzubringen, hat das MAK Wien in Kooperation mit dem MGLC Ljubljana und dem UPM Prag das Projekt ARTISTS’ BOOKS ON
TOUR ins Leben gerufen. Anlässlich eines Wettbewerbs setzten sich europäische Künstler mit der Thematik des
Künstlerbuchs und seinen vielfältigen ästhetischen Ausdrucksformen auseinander; die Ausstellung präsentiert die
ausgezeichneten Projekte.
Das Interesse an der Wettbewerbsausschreibung zu „Artists’ Books on Tour“
übertraf alle Erwartungen: 925 Projekte aus 35 europäischen Ländern wurden eingereicht.
Jury: Jianping
He, Berlin; Martina Kandeler-Fritsch, Wien; Florian Pumhösl, Wien; Maria White, London
Künstler:
Claire Andlauer/Tristan Perreton - France, Georgina Aspa/Javiera Pintocanales - Spain,
Aïdée Bernard -
France, Manuel Blázquez - Spain, Valérie Buess - Germany, Lien Buysens - Belgium, Vuk Cuk - Serbia, Susan Deakin -
United Kingdom, Amélie Dubois - France, Sandra Đurović - Montenegro, Gerhild Ebel - Germany, Rainer Fest - Germany,
Marie-Noëlle Fontan - France, Irena Frantal - United Kingdom, Sabine Golde - Germany, Laure Grimal - France, Lyn Hagan
- United Kingdom, Katrin Herzner - Germany, Gerlinde Hofmann - Germany Julie Kačerovská - Czech Republic, Ilona Kiss -
Hungary, Mario Kolarić - Croatia, Edith Kollath - Germany, Agata Kosmacz - Poland, Matthias Krinzinger - Austria, Lucas
Kunz - Germany, Beatrix Mapalagama - Austria, Max Marek - Germany, Livia Mateiaş - Romania, Michail Molochnikov -
Germany, Igor Mudronja - Croatia, Sky Nash - United Kingdom, Kate Owens - United Kingdom, Elena Peytchinska - Austria,
Andrea Pézman - Slovakia, Rachèle Rivière - France, José Rosinhas - Portugal, Christoph Rothmeier - Germany, Josipa
Šarić - Croatia, Patrick Sauze - France, Libby Scarlett - United Kingdom, Veronika Schäpers - Germany, Karin Sulimma -
Austria, Maria Szczodrowska - Poland, Carolyn Thompson - United Kingdom, Filip Tofil - Poland, umraum artcollectiv -
Austria, Celestina Vičević - Croatia, Consuelo Vinchira - Spain, Katarzyna Wolny - Poland
Nähere
Informationen zum Wettbewerb unter [www.abot.MAK.at]
Projektleitung Kathrin Pokorny-Nagel, Leitung MAK-Bibliothek und Kunstblättersammlung
Eine Kooperation von MAK Wien, UPM Prag und MGLC Ljubljana, gefördert aus Mitteln des EU Culture Program 2007–2013
Publikation "ARTISTS' BOOKS ON TOUR. Artist Competition and Mobile
Museum", hrsg. von MAK Wien, MGLC Ljubljana und UPM Prag, mit Beiträgen von Jianping He, Martina Kandeler-Fritsch,
Helena Koenigsmarková, Kathrin Pokorny-Nagel, Florian Pumhösl, Christoph Thun-Hohenstein, Lawrence Weiner, Maria White,
englisch, ca. 90 Seiten, MAK Wien/Walther König, Köln, € 19,80
Künstler im Fokus #11
Walter Pichler. Skulpturen Modelle Zeichnungen
bis 26. 02.
2012
MAK-Schausammlung Gegenwartskunst
Walter Pichler ist einer der
bedeutendsten visionären Künstler der Gegenwart. Seine Bilder, Objekte, Installationen und Architekturen, die den Ort
der Kunst selbst zum Gegenstand erklären, spiegeln eine radikale räumliche und zeitliche Aura wider. Ausgangspunkt
aller Arbeiten ist die Zeichnung, die gemeinsam mit der Skulptur ein subtiles narratives Netzwerk umspannt. Pichler
beobachtet und gestaltet die Welt: Zugunsten der Darstellung mit reduzierten Mitteln vereint er Mikround Makrokosmos.
Kuratorin Bärbel Vischer
Zur Ausstellung erscheint die Publikation "WALTER PICHLER.
Skulpturen Modelle Zeichnungen“, MAK Wien (Hg.), deutsch/englisch, ca. 112 Seiten, mit ca. 90 meist farbigen
Abbildungen, MAK Wien / Jung und Jung Verlag, 2011.
Die Reihe KÜNSTLER IM FOKUS zeigt essenzielle
Werkgruppen maßgeblicher zeitgenössischer Künstler in konzentrierten Einzelpräsentationen. Ein zentraler Aspekt dabei
ist die Realisierung notwendiger Ankäufe durch Sponsoren zur Erweiterung und Ergänzung der Sammlung, die aufgrund der
prekären finanziellen Situation des MAK seit der Umwandlung des Museums in eine Wissenschaftliche Anstalt öffentlichen
Rechts unmöglich geworden sind.
DAS GROSSE WIENER KAFFEEHAUS-EXPERIMENT
Phase II & Die Versuchsanordnung
Verlängert bis 4. März
2012
MAK DESIGN SPACE
Was soll das Kaffeehaus von morgen können? Seit
März dieses Jahres untersuchen ausgewählte Teilnehmerinnen und Teilnehmer der Wiener Kreativszene diesen kulturellen
und sozialen Knotenpunkt Wiens. Unter der Regie des Kaffeehaus-Experten Gregor Eichinger und der Anleitung von
raumlaborberlin, Antenna Design, New York und Studio Andrea Branzi, Mailand wurden in drei Design-Labs neue Ansätze
erarbeitet. Eine begleitende und stetig wachsende Recherche-Ausstellung von Julia Landsiedl, MAK-Designer-in-Residence
2011, lieferte auswertbare Inputs (Phase I).
In der Phase II werden
acht der einundzwanzig erarbeiteten Konzeptideen in einer Versuchsanordnung – einem Kaffeehaus-Testbetrieb in der
MAK-Säulenhalle – erprobt (bis 16. Oktober). Mittels einer Web-Applikation können alle Konzepte mit den vorhandenen
Geräten oder mit dem eigenen Smartphone* hier im „Museumslabor“ abgerufen und kommentiert, sogar zu einer eigenen
Auswahl zusammen gestellt werden. Der visualisierte Ideenpool bietet eine Übersicht, geclustert nach Schlagworten wie
„Gesamtkonzepte“, „Möbel“ oder „Separieren“ und „Exponieren“. Werden Sie mit Ihrer Meinung Teil des Experiments und des
Entwicklungsprozesses!
Die Ausstellung im MAK DESIGN SPACE zeigt zudem den bisherigen Verlauf im Labor
und wertet den Testbetrieb der Versuchsanordnung und der acht Prototypen aus. Die Mischung aus
Traditionellem und Innovativem, wie neuartige Kommunikationsmöbel oder alternative Bildungssysteme, zeigt den
Spannungsbogen der erarbeiteten Projekte, die formal keine radikale Abwendung vom typischen Wiener Kaffeehaus suchen.
Investigativer Schwerpunkt aller Projekte war das soziale und kommunikative Potential des Ortes. Die vorläufigen
Ergebnisse sind dabei so heterogen wie das Team dieser kurzzeitigen, aber intensiven Forschungsgemeinschaft.
Mit Arbeiten von Patrycja Domanska, Ines Fritz, Mario Gamser, Felix Gieselmann, Lena Goldsteiner,
Andrea Hoke, Eva Kees, KIM+HEEP, Tanja Lightfoot, Stefan Rozporka, taliaYsebastian, Magdalena Vogl u.a.
Forschungsregie Gregor Eichinger
Kurator Thomas Geisler, MAK-Kustode Design
Designer in Resdence Julia Landsiedl
Besonderen Dank für die freundliche Unterstützung
und Zusammenarbeit an Fachgruppe Wien der Kaffeehäuser / Wirtschaftskammer Wien, fluxguide, Klub der Wiener
Kaffeehausbesitzer, Neue Wiener Werkstätte, Julius Meinl Austria, Wiener Wasserwerke.
MICHAEL
WALLRAFF
looking up. vertical public space
bis 04.
03. 2012
MAK-Galerie
Michael Wallraff ist eingeladen, einen
grundlegenden Einblick in seine konzeptionelle Arbeitsweise zu geben. Im Mittelpunkt seiner Architekturauffassung steht
die Stadt als dynamische Struktur und kreatives Potential. Sein aktuelles Forschungsprojekt, das 2008 eine Förderung
der Kreativagentur der Stadt Wien departure gewann, entwickelt Wallraff in der MAK-Galerie als
raumgreifende Installation. Anhand von Modellen und Animationen zu Entwürfen und Bauten untersucht er die Dimension der
Vertikalität im öffentlichen Raum und skizziert experimentelle Szenarien zukunftsweisender Stadtplanung. Wallraff nahm
1999 am MAK-Schindler-Stipendiatenprogramm in Los Angeles teil und gründete 2004 das Wiener Architekturbüro.
Kuratorin Bärbel Vischer
Publikation „Michael Wallraff.
Vertikaler öffentlicher Raum / Vertical Public Space“, MAK Wien (Hg.), mit Beiträgen von Klaus Bollinger/Arne Hofmann,
Brigitte Felderer, Bart Lootsma, Christoph Thun-Hohenstein und Bärbel Vischer sowie mit Projekttexten und
programmatischen Texten von Michael Wallraff Architekten, deutsch/englisch, ca. 176 Seiten, ca. 190 Abbildungen, MAK
Wien / Verlag für moderne Kunst Nürnberg 2011, € 28. Erhältlich im MAK Design Shop.
GÔM
SÚ’
2000 Jahre Keramik aus Vietnam
bis 25. 03.
2012
MAK-Schausammlung Asien
Für kaum ein anderes Land ist die eigene
Keramik-Geschichte so identitätsbildend wie für Vietnam, in dem historische Monumente und Kunstwerke durch Kriege und
Katastrophen unwiederbringlich zerstört wurden.
Vor allem keramische Arbeiten können direkten Einblick
in die Kulturgeschichte geben, da sich daran Techniktransfer und eigenständige Weiterentwicklungen so gut ablesen
lassen wie an kaum einem anderen Material.
Erstmals in Wien und in dieser Vollständigkeit wird die
anhaltende jahrtausendealte Tradition dieses Kunsthandwerks und damit der Beitrag Vietnams zur Weltkultur dokumentiert.
Durch diese Ausstellung, die mit Leihgaben einer Privatsammlung bespielt wird, aus der schon die Schau
„Crossover“ (2010/2011) zusammengestellt wurde, soll auch die europäische Kenntnis ost- und südostasiatischer Keramiken
korrigiert werden, die vor allem durch den jahrhundertelangen Export chinesischer und japanischer Porzellane geprägt
ist.
Die Ausstellung wird von einer Videoinstallation von Nives Widauer begleitet; Das 2006
entstandene Slow-Motion-Video kambium wird dreifach auf die Plateaus in der Saalmitte projiziert und setzt die erdige
Farbigkeit der Keramiken aus Vietnam in einem heutigen Medium fort. Die meditativen Naturaufnahmen unterstreichen die
ruhige Atmosphäre der Ausstellung und Ausstellungsarchitektur.
Kurator Johannes Wieninger, MAK-Kustode
Asien
MAK4FAMILY:
Samstag, 21. Jänner,
14.00-17.00 Uhr
Videoworkshop. Für die ganze Familie und Kinder ab 4 Jahren
Sonderführungen nach Voranmeldung:
Gabriele
Fabiankowitsch, Tel. (+43-1) 711 36-298 oder education@MAK.at
ALLERHAND!
Fächer und Handschuhe aus der MAK-Sammlung
bis 01. 04. 2012
MAK-Studiensammlung Textil
Die Ausstellung ALLERHAND! stellt ausgewählte Fächer und Handschuhe aus sieben Jahrhunderten ins
Rampenlicht und präsentiert nach der Taschen- Ausstellung LEDER, STOFF UND REISSVERSCHLUSS einen weiteren Aspekt der
MAK-Sammlung Textil zum Thema „Accessoire“.
Beide Objekttypen unterstreichen die Gestik der Hand: über
die naheliegende Funktion hinaus gelten sie als wirkungsvolle Instrumente der Koketterie. Die Ausstellung ALLERHAND!
veranschaulicht die Ursprünge ebenso wie die Verwendung der Objekte u.a. in der Liturgie, bei Hof oder als Werbefläche.
Die meisten Exponate stammen aus der Sammlung Albert Figdor, die japanischen Fächer aus dem ehemaligen
k.k. Orientalischen Museum (beide Wien). Fächer aus dem europäischen Barock – reich bemalt und inhaltlich in galanten
Festen und antiker Mythologie schwelgend – und der japanischen Edo Periode (1603–1868) nehmen aufgrund ihrer Bedeutung
innerhalb der MAK-Sammlung einen besonderen Platz in der Ausstellung ein. Zu den ältesten Stücken wiederum zählen zwei
außerordentlich seltene Radfächer aus dem europäischen Spätmittelalter, die gemeinsam mit in Gold gestrickten
Handschuhen für den kirchlichen Gebrauch gezeigt werden.
Die heute am weitesten verbreitete Fächerform,
der Faltfächer, wurde durch portugiesische Seefahrer im Laufe des 16. Jahrhunderts importiert. Sie illustriert einen
kulturellen Transfer, der von den Höfen der Iberischen Halbinsel ausgehend ganz Europa eroberte. Seltene Objekte aus
Japan – zum Beispiel bemalte, unmontierte Fächerblätter oder ein mit recycelten Fächerblättern des 18. Jahrhunderts
dekorierter Paravent – demonstrieren Stile und Varianten ebenso wie die Vielfalt der Sammlung.
Anfangs
nicht eindeutig feminin konnotiert, entwickelte sich der Fächer im Europa des 18. und 19. Jahrhunderts zu einem der
wichtigsten Accessoires der höfischen Damenwelt. Handschuhe hingegen wurden von beiden Geschlechtern gleichermaßen
getragen und je nach Stand des Trägers und Verwendungszweck in unterschiedlichen Materialien wie Leder, Wolle oder
Seide sowie mit oder ohne Dekor gefertigt. Fächer und Handschuhe waren und sind Träger unterschiedlicher Moden und
sozio-kultureller Strömungen. Die Gegenüberstellung historischer und zeitgenössischer Objekte von Künstlern und
Designern, etwa einer Handschuh- Kreation von Meret Oppenheim (1985), erlaubt, Entwicklungen innerhalb der einzelnen
Themenkreise hervorzuheben und zu hinterfragen.
Soziale und modische Faktoren trugen dazu bei, dass
Fächer und Handschuhe in Vergessenheit gerieten: Erstere werden heute vorrangig als „Werbeflächen“ genützt, während
zweitere meist praktischen Zwecken dienen, obwohl ihnen als anspruchsvolle Accessoires ein Platz gleichrangig neben
Taschen zustünde. Diese Ausstellung lädt den Besucher dazu ein, ihnen gebührend Aufmerksamkeit zu widmen und sich der
Komplexität ihrer Verwendungsarten und Bedeutungen bewusst zu werden.
Kuratorin Barbara Karl,
MAK-Kustodin Textilien und Teppiche
Sonderführungen nach Voranmeldung:
Gabriele Fabiankowitsch, Tel. (+43-1) 711 36-298 oder education@MAK.at
ERSCHAUTE BAUTEN
Architektur im Spiegel zeitgenössischer Kunstfotografie
bis 22. 04.
2012
MAK-Ausstellungshalle
Die Ausstellung beschäftigt sich mit
zeitgenössischer Kunstfotografie sowie ihrer Wirkung auf das Verständnis von Architektur und stellt die wechselseitige
Beein- flussung der beiden Kunstricht- ungen dar; ein Unternehmen, das das Anliegen des MAK wider- spiegelt,
Kunst/Architektur/ Design sowie deren Schnittstellen zu thematisieren, disziplinüber- greifend zu verbinden und zu
erforschen, ob – und wie – sie transformiert werden können.
ERSCHAUTE BAUTEN. Architektur im
Spiegel zeitgenössischer Kunstfotografie versammelt in erster Linie Werke der einflussreichsten
zeitgenössischen Künstler, die mit ihren Fotografien in den letzten Jahren einen Wandel der Sichtweise und des
Stellenwerts der Fotografie bewirkt haben. Ihr prüfender und oft kritischer Blick auf Architektur feiert dennoch diese
Architekten und die zukunftsweisende Bedeutung der Bauten. Sowohl Künstler als auch Ausstellung konzentrieren sich auf
Bauten des 20. und 21. Jahrhunderts mit Kultstatus, darunter Werke von Proponenten der Moderne wie Frank Lloyd Wright,
Erich Mendelsohn, Berthold Lubetkin und der Tecton Group, Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier, Philip Johnson und
Ernst Plischke sowie zeitgenössischer Architekten wie Frank O. Gehry, Herzog & de Meuron, Kenzo Tange und Peter
Zumthor. Neben den genannten Architekten kommt in dieser Ausstellung Rudolph M. Schindler besondere Bedeutung zu, mit
dessen Vermächtnis das MAK eine langjährige ganz besondere Beziehung verbindet – nicht zuletzt führte diese zur
Gründung des MAK Center for Art and Architecture in Los Angeles sowie des MAK-Schindler-Stipendiaten- programms in den
Mackey Apartments. U.a. ließen sich Künstler wie etwa Candida Höfer und Hiroshi Sugimoto von Schindlers Bauten zu ihren
Arbeiten inspirieren.
In acht Themenkreise – Restaurierung, Reanimation, Wohnen, Utopische Visionen,
Dekonstruktion, Fragmentierung, Kritik und Systemanalyse – unterteilt, greift die Ausstellung sowohl für die
Kunstfotografie als auch für die Architektur relevante Diskurse auf. So bietet ERSCHAUTE BAUTEN. Architektur im
Spiegel zeitgenössischer Kunstfotografie ein breites Spektrum von Anreizen und Fragestellungen für Kunst-,
Architektur- und Designinteressierte sowie all jene, die vom Anliegen des MAK, zeitgenössische Kunst und Kultur
auszustellen und zu kontextualisieren, fasziniert sind.
Kurator Simon Rees
Führungen:
Sa, So 16.00 Uhr
Durchgehender Informationsdienst und Kurzführungen:
Sa 14.00–16.00 Uhr
Sonderführungen nach
Voranmeldung:
Gabriele Fabiankowitsch, Tel. (+43-1) 711 36-298 oder
education@MAK.at
MAK/zine
Anlässlich der Ausstellung startet das MAK in Zusammenarbeit mit dem Volltext Verlag das mehrmals
jährlich erscheinende, zweisprachige Magazin MAK/zine (deutsch/englisch), dessen erste Ausgabe sich dem Verhältnis von
Kunst, Architektur und Fotografie widmet. Erhältlich im MAK Design Shop und bei ausgewählten Buch- und
Zeitschriftenhändlern in ganz Europa um € 9,90.
ÖFFNUNGSZEITEN: Di MAK NITE© 10–24 Uhr,
Mi–So 10–18 Uhr, Mo geschlossen
Jeden Samstag© Eintritt frei.
MAK - Österreichisches Museum für angewandte Kunst - Stubenring 5, 1010 Wien
Tel (+43-1)
711 36-298; Fax (+43-1) 711 36-388
E-Mail: office@MAK.at -
Internet: www.MAK.at
Architekturzentrum Wien
Glenn Murcutt. architecture for place
Veranstaltungsort: Architekturzentrum Wien
- Alte Halle
Ausstellung: bis 13. Feber 2012
Öffnungszeiten: Täglich 10:00 – 19:00 Uhr
Tickets: EUR
7,00 / EUR 4,50 ermäßigt / freier Eintritt für medium partner
Glenn Murcutt, Pritzker Preisträger
(2002) und Australiens international anerkanntester Architekt, verwirklicht beharrlich ein mittlerweile umfassendes
Werk hoher Komplexität. Während der letzten 40 Jahre sind mehr als 500 Bauten entstanden, alle in Australien, fast
ausschließlich Wohnhäuser und bis auf wenige Ausnahmen von ihm alleine entworfen, geplant und unter seiner Aufsicht
umgesetzt. Die Ausstellung präsentiert eine Auswahl dieser Projekte und nähert sich der Arbeitsweise Murcutts vor allem
auch über seine Zeichnungen, die für ihn ein essentielles Instrumentarium der Entdeckung darstellen. „Architektur
bereitet die fantastische Möglichkeit des Entdeckens … Es ist wie die Arbeit des Wissenschafters, der zwar die Antwort
noch nicht kennt, dafür aber den Weg dorthin … Das ist es, was mich antreibt, die Lust, den Weg der Entdeckung zu
beschreiten.“ Die Fotografien von Anthony Browell legen Zeugnis über die Harmonie von Gebäude und Natur ab und lassen
anhand der architektonischen Grundsätze Murcutts die frühzeitige Vorwegnahme des internationalen Trends zur
Nachhaltigkeit erkennen.
Eine Ausstellung der Architecture Foundation Australia in Zusammenarbeit mit
dem Architekturzentrum Wien
a_schau.
Österreichische Architektur im 20. und 21.
Jahrhundert
Architekturzentrum Wien - Neue Halle
Ausstellung:
seit 13. Oktober 2005
Öffnungszeiten: Täglich 10:00 –
19:00 Uhr
Tickets: EUR 7.- / EUR 4,50 ermäßigt
Mit der a_schau öffnet
das Architekturzentrum Wien sein permanentes Schaufenster zur baukulturellen Identität des Landes, und präsentiert
damit 150 Jahre beachtliche heimische Architekturgeschichte erstmals in einer Ausstellung in Österreich. Auf 300m2
werden rund 170 ArchitektInnen mit 420 Bauten in den neun Bundesländern vielschichtig und abwechslungsreich
vorgestellt.
Rahmenprogramm: a_schaufenster
Das
“a_schaufenster" als neues Rahmenprogramm der a_schau bietet mehrmals pro Jahr kostenlose Einblicke zu verschiedenen
Themenschwerpunkten innerhalb der Ausstellung. Jedes der temporären Schaufenster wird durch Archivmaterialien oder
Modelle repräsentiert, die bis zum nächsten Termin ausgestellt bleiben.
Im Rahmen eines Gesprächs mit
eingeladenen ArchitektInnen und/oder ExpertInnen werden spezifische Fragestellungen anhand der Exponate erörtert.
mehrmals pro Jahr, Termin jeweils Mittwoch, Beginn 18 Uhr, Neue Halle
Die Ausstellung
10 Episoden schärfen den Blick auf die
relevantesten Phänomene und Strömungen.
Die chronologische Abfolge bestimmter Phasen der
Architekturentwicklung wird dadurch inhaltlich gefasst und unter bestimmten thematischen Gesichtspunkten beleuchtet.
Parallel zu den Themenbereichen werden in einem "Zeitregal" die historisch relevanten Daten zur Zeit-, Kultur und
Architekturgeschichte von 1850 bis heute präsentiert. Portraitfotos und Kurzbiografien der in der Ausstellung
vertretenen ArchitektInnen bilden einen Stammbaum der wichtigsten "Köpfe" der österreichischen Baukunst. Als Spezifikum
der österreichischen Architekturentwicklung und als alltagsnaher Themenstrang bildet die "Kleine Geschichte des
Wohnens" einen Schwerpunkt entlang der Chronologie.
In der Ausstellung wird der gesamte Fundus der
Medien zur Architekturpräsentation adäquat eingesetzt: Pläne, Skizzen, Texte, Fotos, Modelle und Filme erwecken das 20.
Jahrhundert zum Leben und leiten in die Gegenwart über.
Kuratorinnen: Gabriele Kaiser, Monika Platzer
Wissenschaftliche Mitarbeit: Gudrun Hausegger, Sonja Pisarik, Ute Waditschatka
Ausstellungsgestaltung: Design Studio Walking-Chair, Wien
a_schau. Das
Buch
Das Buch “Architektur in Österreich im 20. und 21. Jahrhundert" bietet auf knapp
400 Seiten anhand von zehn thematisch/chronologischen Episoden einen Streifzug durch das historische und
zeitgenössische Architekturschaffen Österreichs und widmet sich in einem gesonderten Erzählstrang dem Thema Wohnen.
Birkhäuser Verlag, 2006; Hg. Az W; ISBN-10: 3-7643-7693-7. 400 Seiten, ca. 1.000 Abb., € 51,30. Erhältlich in der Az
W-Info, im E-Shop sowie im ausgewählten Fachbuchhandel.
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10:00 –
19:00 Uhr
Architekturzentrum Wien - Museumsplatz 1, 1070 Wien
Telefon +43 (1) 522 31 15; Fax +43 (1) 522 31 17
E-Mail: office@azw.at - Internet: www.azw.at
Kunsthalle Wien
Mit sofortiger Wirkung - künstlerische Eingriffe in den Alltag
KUNSTHALLE wien
project space,
14. Jänner – 29. Jänner 2012
Eröffnung:
13. Jänner, 19:00 Uhr
Ein Projekt der Universität für
angewandte Kunst Wien im Rahmen des ecm-Lehrgangs 2010—12
Wie greifen Künstler/innen in
den Alltag ein?
Welche Strategien und Handlungsformen setzen sie ein?
Das Projekt „Mit
sofortiger Wirkung — künstlerische Eingriffe in den Alltag“ versammelt Interventionen, Performances und Installationen,
die im öffentlichen Raum stattgefunden haben – von Günter Brus’ Wiener Spaziergang 1965 bis zu Banksys aktuellen
Graffitis. Die Ausstellung lädt ein, sich aktiv mit verschiedenen künstlerischen Strategien des Eingriffs und deren
Absichten, Zielen und Wirkungen auseinanderzusetzen. Parallel dazu und in unmittelbarer Nähe des project space am
Karlsplatz setzen zudem fünf beauftragte Künstler/innen eigens entwickelte neue Arbeiten um, die dokumentiert und
ebenfalls in der Ausstellung gezeigt werden.
Die Ausstellung ist flexibel gestaltet und wird in den
täglich stattfindenden Veranstaltungen von den Kurator/innen gemeinsam mit eingeladenen Künstler/innen und dem Publikum
diskutiert, vertieft und manchmal auch neu arrangiert.
Interventionen
Rund um den
Karlsplatz greifen die Künstler/innen Oliver Hangl, Marlene Haring, Marusa Sagadin, Anna Witt und das Institut für
Alltagsforschung in den Alltag der Wiener/innen ein: Dabei werden Routinen subtil unterwandert oder die Passant/innen
auch einmal direkt konfrontiert.
Beteiligte Künstler/innen
Banksy, Günter Brus, Coop
Himmelb(l)au, Friedemann Derschmiedt, Tobias Egger/Markus Riedler, Ruth Ewan, VALIE EXPORT, Stano Filko/Zita
Kostrová/Alex Mlynárčik, Igor Grubic, Oliver Hangl, Marlene Haring, Thomas Hirschhorn, Institut für Alltagsforschung,
Allan Kaprow, Leopold Kessler, King Mob, Erwin Puls, Michael Rakowitz, Werner Reiterer, Reverend Billy, Marusa Sagadin,
Christoph Schlingensief, Kateřina Sedá, Skart, Steinbrener/Dempf, Milica Tomić, Voina, Ben Wilson, Anna Witt,
Wochenklausur
Kurator/innen:
Franziska Bettac, Barbara Biesuz, Isabelle Blanc, Severin
Dünser, Stephanie Endter, Lisa Füting, Thomas Häusle, Marc Horisberger, Kerstin Hosa, Elisabeth Lacher, Astrid Mader,
Tinatin Natsvlishvili, Nadja Plagens, Elisabeth Pohl, Chiara Riccardi, Alexander Samyi
Kunsthalle Wien project space - Karlsplatz, Treitlstraße 2, 1040 Wien
ÖFFNUNGSZEITEN: Di - Sa 13 - 24 Uhr; So, Mo 13 - 19 Uhr
Preis der Kunsthalle Wien 2011
KUNSTHALLE wien project space,
bis 08. Jänner 2012
Corina Vetsch &
Sophie Hirsch: wünschen erwünscht - handeln verlangt
Unterstützt von DORDA BRUGGER
JORDIS Rechtsanwälte
In Kooperation mit der Universität für angewandte Kunst Wien,
www.dieangewandte.at
Preisträgerinnen:
Corina Vetsch (Hauptpreisträgerin)
Sophie Hirsch
Den diesjährigen
Preis der Kunsthalle Wien erhält die Künstlerin Corina Vetsch für ihre mehrteilige Arbeit zur Eutopie im
Blasendiagramm. Die Künstlerin bedient sich unterschiedlicher Möglichkeiten der Visualisierung von Daten und kombiniert
Bild- und Textausschnitte von Printmedien mit Zeichnungen oder malerischen Überarbeitungen. Auf diese Weise generiert
sie eigenwillige Bild- und Text-Welten, die zwischen Wissenschaft, Philosophie, persönlichem Tagebuch, Fantasy, Comic
und Popkultur changieren.
Die ebenfalls prämierte Installation von Sophie Hirsch wird gemeinsam mit den
Arbeiten von Corina Vetsch ausgestellt.
Corina Vetsch, geboren 1973 in St.Gallen/CH, lebt und arbeitet
in Wien. Sie studierte an der Universität für Angewandte Kunst Wien Malerei bei Prof. Johanna Kandl.
Sophie Hirsch, geboren 1986 lebt und arbeitet in Wien. Sie studierte an der Universität für Angewandte Kunst Wien
Bildhauerei und Multimedia bei Prof. Erwin Wurm.
Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit
einem Interview von Lucas Gehrmann mit Corina Vetsch sowie einem Vorwort von Gerald Bast und Gerald A. Matt.
Kunsthalle Wien project space - Karlsplatz, Treitlstraße 2, 1040 Wien
ÖFFNUNGSZEITEN: Di - Sa 13 - 24 Uhr; So, Mo 13 - 19 Uhr
No fashion, please!
Fotografie zwischen Gender und Lifestyle
KUNSTHALLE wien, halle 2,
bis 22. Jänner 2012
No fashion, please! – die Verweigerung herkömmlicher Vorstellungen von Mode und Schönheit
charakterisiert die zweite Schau im Rahmen des Herbstschwerpunkts zu Fotografie und Mode der Kunsthalle Wien. In 19
Einzelpräsentationen wird die internationale zeitgenössische Fotografieszene vorgestellt, die die fundamentale
Beziehung zwischen Körper und (Be)Kleidung, die Dialektik zwischen Form und Erscheinung des Körpers untersucht und
hinterfragt. Die ausgewählten Fotografen stehen in der Tradition der Körperkunst und arbeiten stark mit Querverweisen
zu Installationen, Zeremonien und Ritualen. Grenzüberschreitungen der Disziplinen werden mutig und mutwillig erprobt.
Kleidung und andere Produkte der „Fashion Industry“ erscheinen innerhalb der Ausstellung nur mehr als Fragmente einer
narrativen Inszenierung, die die Wunschvorstellungen und Ideale einer sich verändernden Körperästhetik thematisieren.
Die dafür eingesetzten medialen Strategien sind vielfältig und reichen von inszenierter Fotografie zu Projektionen,
Performances, Körperskulpturen, Video und Film.
Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler: Chan-Hyo Bae,
Tracey Baran, Jeff Bark, Leigh Bowery/ Fergus Greer, Steven Cohen/Marianne Greber, Philip-Lorca diCorcia, Matthias
Herrmann, Lea Golda Holterman, Izima Kaoru, Luigi & Luca, Sandra Mann, Martin & The evil eyes of Nur, Brigitte
Niedermair, Erwin Olaf, Alex Prager, Hanna Putz, Viviane Sassen, Sophia Wallace, Bruce Weber
Kurator:
Peter Weiermair
Ausstellungskatalog: No fashion, please! Fotografie zwischen Gender und Lifestyle.
Hg.: Kunsthalle Wien, Gerald A. Matt, Peter Weiermair. Mit Textbeiträgen von Peter Weiermair und Eugenio Viola. Ca. 160
Seiten, Deutsch/Englisch. Verlag für moderne Kunst, Nürnberg
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10
- 19 Uhr; Donnerstag 10 - 21 Uhr
Vanity
Mode /
Fotografie aus der Sammlung F.C. Gundlach
KUNSTHALLE wien, halle 1,
bis 12. Februar 2012
"Schönheit ist das wichtigste Wort
im Wörterbuch." Cecil Beaton
Modefotografie kreiert Images und Trends. Modefotografie entwirft
imaginäre Idealbilder von Femininität, Eleganz und Glamour und löst diese wieder auf. Modefotografie beschreibt
kollektive Vorstellungen von Schönheit und dokumentiert den Wandel kultureller Interessen. Von der frühen
Studiofotografie bis zum dynamischen Setting im urbanen Raum, von surrealen Bildkonzepten zur Ironisierung der
Fashionindustrie, von der Inszenierung des Kleides zum Supermodel: Mit ca. 200 ausgewählten Werken aus der Sammlung
F.C. Gundlach widmet sich die Ausstellung Vanity Fair dem Thema Fotografie und Mode. Wegweisende und unbekannte
Aufnahmen seit den späten 1920er Jahren bis heute bezeugen die Suggestivkraft der Modefotografie zwischen Innovation
und Tradition, zwischen Konsumismus und Kunst. F.C. Gundlach, selbst Modefotograf, hat eine der größten privaten
Fotografiesammlungen im deutschsprachigen Raum aufgebaut. Er begriff Modefotografie nie nur als schönen Schein sondern
als zivilisatorische Ausdrucksform, die Zeitgeist und Menschenbild in ihrer äußeren Erscheinung spiegeln.
Mit Arbeiten von: Richard Avedon, Lillian Bassman, Cecil Beaton, Sibylle Bergemann, Erwin Blumenfeld,
Guy Bourdin, Louise Dahl-Wolfe, Hubs Flöter, Ralph Gibson, F.C. Gundlach, Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene,
George Hurrell, William Klein, Nick Knight, David LaChapelle, Edgar Leciejewski, Zoe Leonard, Leon Levinstein, Peter
Lindbergh, Gjon Mili, Sarah Moon, Armin Morbach, Helmut Newton, Irving Penn, Regina Relang, Kristian Schuller, Melvin
Sokolsky, Deborah Turbeville, Yva, Imre von Santho, Wols
Kuratoren: Synne Genzmer, F.C. Gundlach
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich 10 - 19 Uhr; Donnerstag 10 - 21 Uhr
Kunsthalle Wien - Museumsplatz 1, 1070 Wien
Infoline: +43-1-52189-33;
Tel. +43-1-52189-0; Fax +43-1-52189-1217
E-mail: office@kunsthallewien.at - Internet:
www.kunsthallewien.at
Leopold Museum
Hermann Nitsch – Strukturen
architekturzeichnungen, partituren und
realisationen des o.m. theaters
bis 30. Jänner 2012
Zum ersten Mal in Österreich zeigt das Leopold Museum eine museale Auseinandersetzung mit dem
zeichnerischen und grafischen Werk von Hermann Nitsch (*1938).
Im Zentrum der Ausstellung stehen
Hermann Nitschs Architekturentwürfe, aber auch frühe Skizzen zu monumentalen Kompositionen, beeinflusst von Gustav
Klimt, Egon Schiele und Oskar Kokoschka, informelle Kritzelzeichnungen, Skizzen von verschiedenen Aktionen, Farbskalen
für Projektionen, Partituren zu seiner Musik sowie Druckgrafiken sind zu sehen.
"Wenn gesagt werden
kann, die gesamte Schöpfung ist mein Leib, kann auch gesagt werden, das sich selbst darstellende Sein ist Theater, das
sich ereignende Drama der Weltwerdung, der Schöpfung des Sein. Trotzdem erbaute sich das Leben Arenen, Kultstätten,
Tempel, Kirchen, wo Hochämter des theatralischen, dramatischen Geschehens aufgeführt werden. Das sein sollte sich durch
das Theater konzentriert, essentiell herausarbeiten, ins Bewusstsein der Menschheit bringen. Triumph des Theater."
(Hermann Nitsch: »Das Sein«)
Die Architektur des Orgien Mysterien
Theaters
Der Gedanke, im Sinne seines Gesamtkunstwerks einen Tempel, eine riesige
Theateranlage zu bauen, ja sogar unterirdische Städte für theatralische Geschehnisse zu entwerfen, ließ Hermann Nitsch
nie los.
Der Künstler hierzu: »ich wollte theateranlagen bauen, die dem sinnlichen prunk des
aktionstheaters rechnung tragen. vielleicht gab es auch die sehnsucht für mein theater einen gralstempel zu bauen. die
sakralisierende dem säkularisierenden entgegen wirkende grundsätzliche tendenz meiner arbeit ist nie müde geworden,
einen tempel für alle heiligen handlungen meines theaters zu entwerfen. selbst wenn diese vorgänge in ihrer tiefsten
profanen istigkeit ihre grundsätzliche dem ritual und kult entbundene metaphysische wirklichkeit gefunden haben.«
(hermann nitsch 2010)
Ungefähr Mitte der 1960er Jahre als Hermann Nitsch sein Partitursystem
entwickelte und festigte, begann er, angeregt durch seine Kollegen Walter Pichler, Hans Hollein und Raimund Abraham,
aber auch durch einige Entwürfe der Landart, Architekturskizzen zu zeichnen. Da ihm das meiste der
Gegenwartsarchitektur ein Gräuel war, war es ihm ein Anliegen seine Architektur unter der Erde anzusiedeln und
auszubauen.
»wir graben uns in die eingeweide der erde«.
»meine aktionen fordern extremste sinnlichkeit. das von innen nach außen kehren psychischer und
leiblicher gegebenheiten ist leitmotiv des o.m. theaters, die beschauung blutfeuchter innerer organe ereignet sich
ständig. gekröse und gedärme werden freigelegt, das vegetativ–kreatürlich menschgewordene ereignis unserer gattung
demonstriert sich ständig. in diesem sinn fließen immer wieder organische formen in meine architekturzeichnungen ein.
das ganze, alle entwicklungsstadien des naturereignisses mensch, soll zeichenhaft in diese wuchernde architektur
einfließen. deshalb immer wieder strukturen von gedärmen, nieren- und leberformen, menschlichen und pflanzlichen
organformen. die manieristische ausweitung meines theaterprojektes macht es vorstellbar, dass meine aktionen sich in
einer architektur ereignen, durch die nicht nur einzelne organe, sondern der ganze menschliche körper zu räumen
umgebildet werden. das vorerst eher abstrakt organformationen verwendende führt dazu, dass ich nun tatsächlich
architektonische gebilde entwerfe, die gegenständlich ganze körper nachbilden oder darauf bezug nehmen. zeichnungen,
wie das letzte abendmahl, oder die grablegung christi, sind architekturzeichnungen nach gegenständlichen vorbildern.«
(hermann nitsch, 2010)
The Excitement Continues
Zeitgenössische
Kunst aus der Sammlung Leopold II
bis 30. Jänner 2012
Anlässlich des 10-jährigen Eröffnungsjubiläums des Leopold Museum präsentiert die Ausstellung »The
Excitement Continues« einen Querschnitt österreichischer und internationaler Kunst nach 1945, der einen exklusiven
Einblick in die umfassenden Bestände der Sammlung Leopold bietet. Die Schau zeigt einerseits Werke, die zum Bestand des
Leopold Museum gehören und von Sammler und Museumsgründer Rudolf Leopold (1925-2010) in die 1994 errichtete Stiftung
eingebracht wurden, und andererseits zahlreiche Arbeiten, die sich in der nach der Museumsgründung weitergeführten und
von Rudolf und Elisabeth Leopold ständig erweiterten Privatsammlung der Familie Leopold befinden. Der Großteil dieser
Arbeiten war bisher kaum öffentlich zu sehen.
Rudolf Leopold: bisher unbekannte Sammlung
zeitgenössischer Kunst
Die fast sechzigjährige Sammeltätigkeit von Rudolf Leopold konzentrierte sich
auf mehrere Schwerpunkte: Gemälde und Zeichnungen von Egon Schiele, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Richard Gerstl oder
Alfred Kubin, des weiteren Werke der vor allem nach 1918 tätigen Künstler wie Albin Egger-Lienz, Herbert Boeckl oder
Anton Kolig, schließlich die österreichische Kunst des 19. Jahrhunderts mit Ferdinand Georg Waldmüller, Friedrich
Gauermann, Anton Romako und die Stimmungsimpressionisten. Zusätzlich zeigte Rudolf Leopold auch ein vehementes
Interesse an kunstgewerblichen Objekten von Möbeln bis zu Keramiken und sogar für afrikanische und asiatische Kunst.
Wenig bekannt war bisher, dass Rudolf Leopold immer wieder auch Werke von modernen und zeitgenössischen KünstlerInnen
erworben hat. Einen ersten Einblick in diesen Sammlungsbereich bot die 2010/11 im Leopold Museum gezeigte Ausstellung
mit über hundert Gemälden von Otto Muehl.
Sammeln gegen den Trend: Qualität und Leidenschaft
Rudolf Leopold schätzte Qualität und künstlerische Leidenschaft nicht nur aus historischer Distanz,
sondern auch in der Unmittelbarkeit und in der Sprache der Gegenwart. Nie ging es dem Sammler Rudolf Leopold um das
Schielen nach Moden oder Trends, sondern um die Aufrichtigkeit und Ernsthaftigkeit einer Kunst, die von vielen oft als
sperrig und schwierig angesehen wurde. Unabhängig von Stilen und Kunstrichtungen entdeckte er immer wieder
Künstlerinnen und Künstler, die seinem hohen Anspruch nach künstlerischem Ausdruck entsprachen. So erblickte Rudolf
Leopold schon früh in den gerümpelartigen Röhrenplastiken von Oswald Oberhuber, die dieser in den 1950er Jahren
geschaffen hatte und die später in der Fachwelt hoch geschätzt wurden, genauso eine hohe künstlerische Relevanz wie in
den gediegenen, gleichfalls in den 1950er Jahren entstandenen Messingarbeiten der Hagenauer-Schule.
Spezifischer Sammlerblick
Es war für Leopold unwichtig, ob etwa die realistischen Landschaften von
Leopold Hauer oder Leopold Birstinger, die von den 1950er bis in die 1980er Jahre hinein datieren, dem Mainstream der
modernen Avantgarde entsprachen, und er kümmerte sich nicht darum, ob die frühen Materialbilder von Adolf Frohner oder
Hermann Nitsch aus den 1960er Jahren wegen ihrer geradezu schockierenden Radikalität ernst genommen wurden. Somit
überrascht es nicht, dass Rudolf Leopolds Auswahl von Kunstwerken nach 1945 stark subjektive Züge trägt und seinen
spezifischen Sammlerblick fortsetzt. So manche KünstlerInnen, die heute zu den Hauptvertretern ihrer Zeit gerechnet
werden, fanden keinen Eingang in seine Sammlung, während er von anderen KünstlerInnen ganze Werkblöcke erwarb.
Muehl, Merz, Lichtenstein
So hatte Rudolf Leopold in den 1990er Jahren fast 200
Gemälde von Otto Muehl erworben. Einen weiteren Sammlungsschwerpunkt widmete Rudolf Leopold dem Maler Robert
Hammerstiel. Weitere, von Leopold hoch geschätzte KünstlerInnen sind Josef Mikl, August Walla, Robert Zeppel-Sperl,
Kurt »Kappa« Kocherscheidt, Elke Krystufek, Robert Kern, Alfred Klinkan und Peter Weibel. Wenngleich der Schwerpunkt
der Sammlung Leopold Modern auf KünstlerInnen aus Österreich liegt, finden sich in der Sammlung auch prominente
internationale KünstlerInnen wie Roy Lichtenstein oder Mario Merz.
Melancholie und Provokation.
Das Egon Schiele-Projekt
Verlängert bis 16. April 2012
Aus Anlass des zehnjährigen Jubiläums seiner Eröffnung widmet das Leopold Museum die Herbstausstellung
2011 dem Werk von Egon Schiele. Der Titel der Ausstellung »Melancholie und Provokation« verweist vor allem auf das
Frühwerk des 1918 mit nur 28 Jahren verstorbenen Künstlers. Schieles erste Hauptwerke, die der Künstler ab 1910 mit nur
20 Jahren geschaffen hat, sind von einer tiefen Melancholie und Trauer, aber auch von einer Faszination am
Ungewöhnlichen und Ekstatischen geprägt.
In seiner ersten Personalausstellung, die Schiele 1911 im
Kunstsalon Miethke präsentierte, finden sich großteils elegische Werke, die eine dunkle, mystische Farbigkeit, eine
inhaltsbetonte Schwermut und eine radikale körperliche Selbstdarstellung gleichermaßen zum Ausdruck bringen.
Mit vielen seiner zwischen 1910 und 1914 entstandenen Werke stellte sich der Künstler ins Zentrum der
öffentlichen Kunstkritik. Das Publikum entsetzte sich vor allem über Schieles provokante Aktdarstellungen, die durch
ihre Drastik und Direktheit alle damals herrschenden Konventionen überschritten. Selbst Schieles nur um wenige Jahre
älterer Kollege Oskar Kokoschka wagte kaum dermaßen provokante Darstellungen. In ihrer oft krassen Proportionalität und
farbigen Kühnheit stellen Schieles Körperbilder frühe Meisterwerke des Expressionismus dar. Beispiele aus seinem
künstlerischen Umfeld sowie Werke, die in einem engen thematischen Konnex stehen, sollen in der Ausstellung die
Singularität von Schieles Arbeiten zusätzlich unterstreichen.
Ein weiterer Schwerpunkt der Ausstellung
ist der Pose und Bewegung im Werk von Egon Schiele gewidmet. In den frühen Darstellungen seiner engsten Freunde und
Freundinnen, etwa dem Pantomimen Erwin Dom Osen oder der Tänzerin Moa, oder auch in der höchst originellen, eigenen
Posierung vor der Kamera seines Freundes Anton Josef Trčka wird Schieles Begeisterung spürbar, den menschlichen Körper
inklusive des eigenen zum Gesamtkunstwerk zu verwandeln.
Die Auswahl dieser Themen sowie der
ausgestellten Werke erfolgt unter der Kuratorenschaft von Elisabeth Leopold, die hier in pointierter Weise den Blick
ihres Mannes, des Schiele-Sammlers und Museumsgründers Rudolf Leopold, einzubringen versteht.
Im
Untertitel der Ausstellung – das Egon Schiele-Projekt – klingt an, dass sich die Schau aber nicht auf eine historische
Betrachtung von Schieles Meisterwerken beschränkt. Sechs ausgewählte Künstlerinnen und Künstler aus den Bereichen
Bildende Kunst, Tanz und Performance treten in je einem eigenen Raum in einen spannenden Dialog mit dem Werk und der
Persönlichkeit des exzentrischen Künstlers der Jahrhundertwende. Bis auf den 1969 verstorbenen Wiener Aktionisten
Rudolf Schwarzkogler handelt es sich dabei um lebende KünstlerInnen, deren Werke innerhalb der zeitgenössischen
Kunstszene ein markantes Profil aufweisen.
Es sind dies:
• Rudolf Schwarzkogler
(kuratiert von Hubert Klocker)
• Günter Brus
• Elke Krystufek
• Franz
Graf
• Claudia Bosse
• Philipp Gehmacher
Kuratiert wird dieser Teil
der Ausstellung von Diethard Leopold. Als Psychotherapeut, Ausstellungskurator (Wien 1900, Otto Muehl), Sohn und
Biograf des Sammlerpaares Elisabeth und Rudolf Leopold, ist aus seiner Hand eine Sehweise zu erwarten, die neue, von
der herkömmlichen kunsthistorischen Analyse möglicherweise abweichende Akzente setzt.
Klassische
Moderne aus der Sammlung Thyssen-Bornemisza
Das Leopold Museum zeigt seit Juni 2007
eine repräsentative Auswahl aus der Sammlung Thyssen-Bornemisza, die Francesca von Habsburg, Tochter von Baron Hans
Heinrich Thyssen-Bornemisza dem Haus als Dauerleihgabe zur Verfügung gestellt hat, TAusgestellt sind Meisterwerke der
Internationalen Klassischen Moderne, des Expressionismus, des Kubismus und des russischen Konstruktivismus. Die
Präsentation inmitten der ständigen Sammlung betont die Bedeutung des internationalen Kontextes für die Sammlung
Leopold.
Werke von insgesamt 14 KünstlerInnen sind im "Thyssen-Raum" vereint: Xenia Ender, Alexej von
Jawlensky, Ernst-Ludwig Kirchner, Gustavs Klucis, Frantisek Kupka, August Macke, André Masson, Emil Nolde, Alexander M.
Rodchenko, Karl Schmidt-Rottluff, Arthur Segal, Gino Severini, Marie Vassilieff, und Maurice
Vlaminck.
Die Werke sind auf Ebene 3 des Leopold Museums ausgestellt.
Die SAMMLUNG
LEOPOLD
Meisterwerke des Wiener Secessionismus, der Wiener Moderne und des
österreichischen Expressionismus
Die SAMMLUNG LEOPOLD zählt zu den weltweit
bedeutendsten Sammlungen moderner österreichischer Kunst.
Die weit über 5000 Exponate umfassende
Kollektion, die das Sammler-Ehepaar Rudolf und Elisabeth Leopold im Laufe von fünf Jahrzehnten zusammengestellt hat,
wurde im Jahr 1994 mithilfe der Republik Österreich und der Oesterreichischen Nationalbank in die LEOPOLD MUSEUM
PRIVATSTIFTUNG eingebracht.
Weltweit größte Egon-Schiele-Sammlung
Das LEOPOLD MUSEUM präsentiert im Museumsquartier die weltweit größte Egon-Schiele-Kollektion gemeinsam
mit Spitzenwerken von Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Richard Gerstl und Albin Egger-Lienz.
Zu sehen
sind weiters Gemälde und Grafiken von Herbert Boeckl, Hans Böhler, Anton Faistauer, Anton Kolig, Alfred Kubin und
Wilhelm Thöny. Dazu kommen herausragende Werke aus dem 19. Jahrhundert von Ferdinand Georg Waldmüller, Friedrich
Gauermann, August von Pettenkofen, Anton Romako, Emil Jakob Schindler, Carl Schuch u. a. m.
Die
SAMMLUNG LEOPOLD enthält darüber hinaus wesentliche Gegenstände des österreichischen Kunstgewerbes der Jahrhundertwende
von Otto Wagner, Adolf Loos, Josef Hoffmann, Koloman Moser und Dagobert Peche. Genuine Objekte aus Afrika und Ozeanien
sowie Werke alter chinesischer und japanischer Kunst ergänzen die Präsentation.
Wir dürfen unsere
Besucher darauf hinweisen, dass aufgrund von Sonderausstellungen, in Zusammenhang mit dem internationalen Leihverkehr
und aus restauratorischen Gründen mit Änderungen in der Hängung der Kunstwerke zu rechnen ist. Wir danken für Ihr
Verständnis.
ÖFFNUNGSZEITEN: Täglich außer Dienstag 10-18 Uhr; Donnerstag 10-21 Uhr;
Dienstag geschlossen
Leopold Museum im MuseumsQuartier - Museumsplatz 1,
1070 Wien
Tel: +43 1 525 70 - 0; Fax: +43 1 525 70 - 1500
E-Mail:
office@leopoldmuseum.org - Internet:
www.leopoldmuseum.org
MUMOK - Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien
Pop and the Sixties
19. Jänner – 2. September 2012
Mit Werken von Claes Oldenburg, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Tom
Wesselmann, Robert Indiana und Jim Dine besitzt das mumok nicht nur einen seiner Sammlungsschwerpunkte, sondern auch
einen international herausragenden Bestand an Pop Art. Damit kann Claes Oldenburgs Retrospektive in einen
repräsentativen zeitgenössischen Kontext gestellt werden.
Zusammen mit den Protagonisten der
amerikanischen Pop Art vermitteln in der Ausstellung die Werke ihrer britischen Kollegen Peter Blake, Richard Hamilton
und David Hockney sowie die europäischen Realismen der 1960er-Jahre, wie sehr die Faszination der Alltagskultur in
jenen Jahren ein breitgefächertes und internationales Phänomen darstellt. Enorme Vergrößerungen (Domenico Gnoli,
Raymond Hains), unerwartete Kombinationen (Konrad Klapheck) und Bilder, die buchstäblich der Straße entrissen sind
(Mimmo Rotella) zeigen nicht nur die Banalitäten unserer Welt, sondern sie schlagen darüber hinaus die eine oder andere
Brücke zu den Arbeiten von Claes Oldenburg. So bildet diese Sammlungsausstellung auch den erweiterten Kontext zur
parallel laufenden Sonderausstellung und versucht dabei Entsprechungen und Analogien aufzuzeigen.
Kuratorin Karola Kraus
Claire Hooper
Nyx - Aoide - Eris
bis 8. Jänner 2012
Claire Hooper ist die Gewinnerin des
Baloise Kunstpreises 2010. Im mumok präsentiert sie ihr preisgekröntes Video Nyx (2010) zusammen mit
den beiden 2011 entstandenen Arbeiten Aoide und Eris als Trilogie. Die britische
Künstlerin (*1978) verflechtet in ihren Filmen Erzählungen aus der Gegenwart mit Figuren und Konzepten der griechischen
Mythologie. Diese werden zu Elementen einer kaleidoskopartigen Verknüpfung von Realität und Fiktion, bei der Hooper –
in der Art eines Nouveau Roman – auch die lineare Abfolge von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft aufbricht.
Nyx, betitelt nach der Göttin der Nacht, nimmt die ZuseherInnen mit auf die
psychedelische Reise des jungen Kurden Furat. Nach „nur zwei Bier“ auf ihm selbst unerklärliche Weise berauscht, gerät
seine nächtliche Heimfahrt mit der U-Bahn zu einem Trip durch die Unterwelt. Das Setting des Films bilden die zwischen
1971 und 1984 von Rainer Rümmler gestalteten Stationen der Berliner U-Bahnlinie 7, die zwischen Neukölln
beziehungsweise Kreuzberg – den Wohnvierteln türkischer Einwanderer – und Spandau verkehrt. Deren fantasievolle
Architektur mit zahlreichen Details im Art Deco- und Orientstil hatte Hooper bereits 2008 in ihrem Video Nach
Spandau in weitgehend leerem nächtlichen Zustand geradezu voyeuristisch Station für Station abgefilmt. In
Nyx werden sie zum Schauplatz von Furats Erfahrungen, die mit einer Begegnung mit Thanatos, dem Gott
des sanften Todes, seinem Zwillingsbruder Hypnos, dem Gott des Schlafes und dessen Frau Pasithea, der Göttin der
Halluzinationen, beginnt.
Eine nicht lineare Verschränkung von Gegenwart und Erinnerung – als Basis
einer Konstruktion von Vergangenheit und Geschichte – kennzeichnet auch Aoide, benannt nach der Muse
des fertigen Gedichts. Der Film entstand 2011 im und für den Münchner Ausstellungsraum Lothringer_13, in dem 1981 schon
Claires Vater, der Maler John Hooper, mit seinen geometrisch-abstrakten Malereien in einer Gruppenschau von neun
englischen Malern vertreten war. Für ihre eigene Ausstellung am selben Ort ließ die Tochter seine Bilder wieder dort
hinbringen und inszenierte deren Hängung zu einer Auseinandersetzung mit ihrer eigenen Vergangenheit, ebenso wie mit
jener des Vaters, aber auch des Kunstraums.
Mit Eris, der Göttin der Zwietracht und
des Streites, greift Hooper in ihrem jüngsten Film eine Figur heraus, die schon in Nyx aufgetreten
war. Aufhänger ist diesmal die Geschichte von Danielle, die als Tochter von Eltern, die bei ihrer Geburt noch im
Kinderheim lebten, in einer Pflegefamilie aufwuchs. Sie selbst wurde mit 15 Jahren schwanger und ihr erster Sohn stand
schon bevor er auf die Welt kam auf der „Risikoliste“ des Sozialamtes. Ihr Kampf um das Sorgerecht für dieses Kind
stellt die Frage nach den Möglichkeiten der Selbstbestimmung in einer schicksalhaften Verstrickung.
Zwei der Arbeiten gehen als Geschenk der Baloise in die mumok-Sammlung über.
Kuratorin Eva
Badura-Triska
Museum der Wünsche
bis 8. Jänner
2012
Im Museum der Wünsche verbindet die neue Direktorin Karola Kraus
die innovative Präsentation der Sammlung des mumok mit offensiven ankaufsstrategischen Zielsetzungen. In die
Sammlungsausstellung integriert finden sich Werke, die sich das Museum wünscht, um seine Sammlungsschwerpunkte zu
ergänzen, zu vertiefen und um zukunfts- orientierte Akzente zu setzen. Der Wunsch nach den Neuankäufen richtet sich an
private Mäzene und Förderer, das Museum angesichts schwindender Ankaufsbudgets zu unterstützen, damit es seine
Kernaufgabe des Sammelns in verantwortungsvoller Weise weiterhin erfüllen kann. Die Ausstellung lässt das Potenzial der
Sammlung in neuem Licht erscheinen und ermöglicht veränderte und erweiterte Perspektiven auf die Kunst seit der
Moderne. Sie bricht geläufige Schemata auf, indem sie Arbeiten aus unterschiedlichen zeitlichen und topografischen
Zusammenhängen miteinander verbindet. So lässt sich nicht nur die Bedeutung der klassischen Highlights aus den
Beständen (Kandinsky, Klee, Giacometti, Mondrian, Kupka, Magritte, Picasso etc.) differenzierter erfassen als üblich,
sondern die Sammlung gewinnt im Dialog mit den gewünschten Arbeiten zusätzliche inhaltliche Dimensionen.
Im Bereich der Kunst der 1960er- und 1970er-Jahre werden innerhalb der geometrischen Abstraktion sowie
der Minimal-, Postminimal Art und ihrer Wirkungsgeschichte bestehende Auffassungen präzisiert und zugleich korrigiert.
Mit Werken von Dan Flavin, Palermo, Fred Sandback, Henryk Stażewski sowie Monika Sosnowska werden bislang bestehende
Grenzziehungen zwischen „West“ und „Ost“ durch eine globalere Sicht auf diese Kunstrichtungen aufgelöst. Auch im
Bereich der konzeptuellen, performativen und aktionistischen Kunst werden mit Arbeiten von Robert Barry, Geta Bratescu,
Anestis Logothetis oder Otto Muehl szenenübergreifende Verbindungen sichtbar. Daraus ergibt sich ein umfassenderes und
authentischeres Bild jener Traditionen, auf der eine jüngere KünstlerInnengeneration ihre installativen, performativen,
medien- und gesellschaftsbezogenen Ansätze seit den 1980er-Jahren gründet.
Im Bereich von Film, Video
und Fotografie verdeutlichen Arbeiten von Phil Collins, Tacita Dean, Sharon Lockhart und Stephen Prina die vom mumok
betriebene Offensive für mediengestützte Kunst. Die erfolgreiche Ausstellungspolitik sowie das Engagement des Museums
für Malerei spiegelt sich u.a. in Form repräsentativer Arbeiten von Cy Twombly oder Albert Oehlen wider. Die
vorgeschlagenen Arbeiten entwerfen ein Museum der jüngeren Vergangenheit und der Gegenwart, dessen Bestand breit und
tief genug ist, um als Basis für die zukünftige Sammlungspolitik zu dienen. Gleichzeitig weist das Museum der
Wünsche auf das Konzept von Karola Kraus hin, die groß angelegten Sonderausstellungen in einen ständigen
Dialog mit der Sammlung treten zu lassen. Damit präsentiert sich das Museum der Öffentlichkeit als veränderliche und
nach außen hin offene Institution.
Kuratorin Karola Kraus
Ausstellungskatalog
Anlässlich der Ausstellung erscheint ein umfassender
Katalog herausgegeben von Karola Kraus und mit Texten von Eva Badura-Triska, Wolfgang Drechsler, Rainer Fuchs, Sophie
Haaser, Achim Hochdörfer, Karola Kraus, Matthias Michalka und Susanne Neuburger, Berthold Rebhandl und Anette Südbeck.
Die Publikation beinhaltet die Dokumentation und Interpretation der „Wünsche“ und beleuchtet ihre Rolle für die
Sammlung des mumok. Katalog zur Ausstellung € 34,-
DIE SAMMLUNG
Die
Sammlung des MUMOK umfasst rund 9.000 Werke: Gemälde, Skulpturen, Installationen, Zeichnungen, Grafiken, Fotos, Videos,
Filme, aber auch Architekturmodelle und Möbel aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts sowie Dokumentationsmaterial
vor allem zur Kunst der 60er Jahre des letzten Jahrhunderts.
Die Sammlung ist auch ein Spiegel der
relativ kurzen, aber wechselvollen Geschichte des Museums. Erst 1962 als Museum des 20. Jahrhunderts im Schweizergarten
eröffnet hat es heute bereits die dritte Adresse und den dritten Namen. 1979 wurde das Museum provisorisch um ein
weiteres Gebäude, das barocke Palais Liechtenstein erweitert, da die Sammlung durch die langfristigen Leihgaben des
deutschen Sammlerehepaars Peter und Irene Ludwig sowie den Ankauf der Kölner Sammlung Wolfgang Hahn einen starken
Zuwachs erfahren hatte. Altes und neues Gebäude firmierten nunmehr unter der gemeinsamen Dachmarke Museum moderner
Kunst. 1991, nachdem das Ehepaar Ludwig fast alle ihrer Leihgaben in die Österreichische Ludwig Stiftung eingebracht
hatte und so die Werke, darunter Arbeiten von Picasso, Johns, Rauschenberg, Lichtenstein, Oldenburg, Warhol, Richter
und Baselitz, um nur einige zu nennen dauerhaft für Österreich und das Museum gesichert waren, wurde der Name zu Museum
Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien erweitert. Seit 2001 - nach dem Umzug in den Neubau im Museumsquartier - hat sich
die Kurzform MUMOK etabliert.
So steht dem Sammlungsblock der
Klassischen
Moderne, der zwar einige echte Spitzenwerke enthält, aber
bedingt durch die späte Gründung des Museums nicht sehr umfangreich ist, ein durch den Erwerb der Sammlung Hahn mit
ihrer Konzentration auf Nouveau
Réalisme und Fluxus, die
Dauerleihgaben der Ludwig Stiftung mit ihren Spitzenwerken der
Pop-Art sowie die
- vor allem in den letzten Jahren erworbene - umfangreiche Sammlung zum
Wiener
Aktionismus sowohl qualitativ wie auch quantitativ beeindruckender Schwerpunkt von Kunst
der 60er Jahre gegenüber.
In den letzten Jahren ist es gelungen, einen weiteren Sammlungsschwerpunkt
aufzubauen: Foto-, Video- und Filmarbeiten, die überwiegend im letzten Jahrzehnt entstanden sind.
NEUERWERBUNGENn
Um eine konsequente und nachhaltige Sammlungsspolitik zu
gewährleisten, geht das MUMOK in seinen Ankäufen sowohl vom vorhandenen Sammlungsprofil mit seinen Schwerpunkten in der
konzeptuellen und performativen Kunst der 60er und 70er Jahre aus, als auch von aktuellen medienbezogenen Ansätzen und
Neuformulierungen der Bildersprache in der Gegenwartskunst. Damit verfolgt das Museum zum einen das Ziel, durch die
Erwerbung von Hauptwerken arrivierter Klassiker Lücken in den Sammlungsbeständen zu schließen, und zum anderen einen
lebendigen Austausch zwischen der Kunst der jüngsten Vergangenheit und jener der Gegenwart zu veranschaulichen und
voranzutreiben.
Der Schwerpunkt bei den Neuzugängen lag in den letzten Jahren zum einen im Bereich des
Wiener Aktionsismus und der Wiener Gruppe, zum anderen bei aktuellen Arbeiten aus den Bereichen Foto-, Video- und
Medienkunst. Werke von Martin Beck, Matthew Buckingham, Josef Dabernig, de Rijke/de Rooij, Omer Fast, Klub Zwei, Sharon
Lockhart, Dorit Margreiter, Dennis Oppenheim, Mathias Poledna, Florian Pumhösl oder Jun Yang u.a, wurden mit
Unterstützung der Telekom Austria angekauft. 2 Fotos von Thomas Struth aus der Serie Audience konnten durch das MUMOK
Board erworben werden. Die Österreichische Ludwig Stiftung hat für das MUMOK in den letzten Jahren u.a. Werke von James
Coleman, Stan Douglas, Franz West und On Kawara erworben.
ÖFFNUNGSZEITEN: Montag 14-19
Uhr; Dienstag bis Sonntag 10-19 Uhr; Donnerstag 10-21 Uhr
MUMOK - Museum
Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien - Museumsplatz 1, 1070 Wien
Telefon (+43-1) 52500, Fax
(+43-1) 52500-1300
E-Mail: info@mumok.at - Internet:
www.mumok.at
ZOOM Kindermuseum
ZOOM Ausstellung: Achtung Baustelle!
www.kindermuseum.at/das_gibts_im_kindermuseum/zoom_ausstellung/aktuelle_ausstellung_achtung_baustelle
Eine Mitmachausstellung für Kinder von 6 bis 12 Jahren
Laufzeit:
bis 19. Februar 2012
Öffnungszeiten: Di. bis Fr.: 8.45,
10.30, 14.00, 15.30 Uhr
Sa., So., Feiertag und während der Ferien
(außer Mo.): 10.00, 12.00, 14.00, 16.00 Uhr
Dauer: 90 Minuten
Arbeitskleidung und Gummistiefel anziehen, Helm aufsetzen, Sicherheitsbestimmungen beachten, und schon
geht es los. Auf der ZOOM Baustelle können die Kinder als MaurerIn, Zimmermann/-frau, DachdeckerIn und KranführerIn
messen, mauern, mörteln, Wände verputzen, Pflastersteine verlegen, einen Dachstuhl bauen, ein Dach decken und mit viel
Fingerspitzengefühl den Kran steuern. Sie erfahren, welche Arbeitsschritte und Berufe erforderlich sind, um ein Gebäude
zu errichten, und probieren verschiedene Werkzeuge, Bautechniken und Materialien aus. Dabei entwerfen sie einen Plan
für ihr Haus, prüfen Brückenmodelle und Hochhauskonstruktionen mit einem Rüttel- und Gewichtstest, entdecken, wie Tiere
bauen und was wir uns von den tierischen BaumeisterInnen abgeschaut haben. Und weil eine richtige Baustelle laut ist,
sorgen die Kinder mit Abwasser- und Kanalrohren in der Baurockband für einen coolen Baustellensound.
Preis: Kinder: Eintritt frei; Erwachsene: EUR 4,-
Für Gruppen ab 10 Kindern ist eine
Reservierung erforderlich!
Tel. (01) 524 79 08,
www.kindermuseum.at
ZOOM
Kindermuseum - Museumsquartier, Museumsplatz 1, 1070 Wien
Reservierungen und Infos zu Programm
und Beginnzeiten unter:
Tel.: +43 / 1 / 524 79 08, reservierung@kindermuseum.at
E-Mail:
info@kindermuseum.at - Internet:
www.kindermuseum.at
Naturhistorisches Museum Wien
Alte Meister - Dinosaurier und Meteorite
Saal 50
bis 09. April 2012
Die Künstlerin Barbara Anna Husar
versteht ihre großformatigen Bilder ihrer Cross Creatures als phantasievolle Neuzugänge zu den massiven, versteinerten
Knochen von Dinosauriern, die am Ende der Kreidezeit durch den Impakt eines Meteoriten ausgelöscht wurden.
Sie studierte an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien, an der Gerrit Rietveld Academy,
Amsterdam und an der School of Visual Arts, New York. Ihre Ausstellungen reichen von Bilbao bis nach Shanghai.
Von 2. Dezember 2011 bis 9. April 2012 zeigt Barbara Anna Husar im Naturhistorischen Museum ihre
farbenfrohen Cross Creatures. Diese wurden auf grobe Kunststoffgewebe - vernähte Salz- und Saatgutsäcke - gemalt. Eine
am Antennendach des ORF Funkhauses Dornbirn installierte „Meteoritenfalle“ empfängt seit einem Jahr Informationen, die
nun für die Ausstellung aufbereitet und erstmals präsentiert werden.
Damals wie heute bewegen wir uns
in einem Schwarm von Asteroiden, meint die Künstlerin. So werden wir wieder Zeugen alter Meister im aktuellen
Zeitgefüge.
Xtremes – Leben in Extremen
bis 26. April
2012
Saal 15 bis 17
Tiere als Überlebenskünstler stehen im Mittelpunkt
der Ausstellung Xtremes.
Arten, die dort zu Hause sind, wo aufgrund der extremen Umweltbedingungen
kein Mensch längere Zeit existieren könnte. Eine erstaunliche Vielfalt von Organismen wird vorgestellt, die sich dank
hervorragender Anpassung auf verschiedenste Weise in ihren unwirtlichen Lebensräumen behaupten können: Der Bogen spannt
sich vom Murmeltier über Eisbären, Seehunde, Rentiere und Kamele zur Streifengans, umfasst aber auch blinde
Höhlenfische, Teichfrösche und Regenwürmer. Die Strategien, die zum Einsatz kommen, sind ähnlich vielfältig: gegen
Kälte können Pelz und große Körpermasse schützen, als genauso effektiv erweisen sich jedoch eine isolierende
Fettschicht (Blubber) oder Frostschutzmittel im Blut.
Neben Kälte werden in der Ausstellung auch
Hitze, Dunkelheit, Sauerstoffmangel und Wassermangel als limitierende Faktoren nicht nur plakativ dargestellt, sondern
für die Besucher im wahrsten Sinn des Wortes hautnah erlebbar - zum Beispiel beim Barfuß über heißen Sand gehen.
Interaktive Stationen sorgen dafür, dass die Erkenntnisse spielerisch vertieft werden - wie schwierig ist es, als
Fledermaus im Dunkeln Insekten zu fangen? Und wie viel Schweiß kostet es, ein durstiges Kamel zu tränken?
Neben Spielen und interaktiven Stationen sorgen Filme, eindrucksvolle Fotoaufnahmen und eine
ungewöhnliche Geräuschkulisse für Abwechslung. Zum Schluss gilt es, die extremsten Lebensräume der Erde in Rekordzeit
zu finden!
Führung durch die Ausstellung:
Jeden Samstag, 16:30 Uhr
Führungskarte 2,50 Euro
Der neue Sauriersaal
ab 05.
Oktober 2011
Saal 10
Ab sofort ist der neue Sauriersaal des NHM
eröffnet. Einzigartige Skelette, lebensgroße Modelle und aufwendige Computeranimationen ermöglichen es, unmittelbar in
die Welt des Erdmittelalters einzutauchen. Der Luftraum des neuen Sauriersaales wird von einem originalgroßen
Pteranodon-Modell beherrscht. Dies und vieles andere mehr erwartet Sie!
Modernste Videoanimationen
(produziert von 7reasons, © NHM) und interaktive Stationen vermitteln das Leben vor mehr als 65 Millionen Jahren so
eindrucksvoll wie noch nie. Neben riesigen Skeletten von Diplodocus, Allosaurus und Iguanodon, wird auch jener
Asteroideneinschlag visualisiert, der letztlich zum abrupten Ende der Dinosaurier führte.
„Dem
Reiche der Natur und seiner Erforschung“
…mehr als 250 Jahre lang
Kleine Feststiege
ab 2. Juli 2011
In
vier Vitrinen rechts und links der kleinen Feststiege werden Highlights aus der Geschichte des Naturhistorischen
Museums und seiner Ursprünge zwischen 1750 und heute präsentiert. Erstmals wird dabei auch die Zeit von 1938 bis 1945
näher beleuchtet.
Alles Natur, alles Chemie
Schausammlung
bis 09. Jänner 2012
Internationales Jahr der Chemie im
NHM: Die Chemie, die sich hinter vielen alltäglichen Naturphänomenen verbirgt, wird in jedem Schausaal an einem
Beispiel kurzweilig und leicht verständlich erklärt.
Führungen für Gruppen und
Schulklassen
einstündige Führungen durch den Chemie-Parcours, ab der 5. Schulstufe
Kosten Führung: 2,50 pro Person (mindestens 37,50 Euro)
Eintritt: bis 19 Jahre frei,
Erwachsene 10 Euro, Gruppen (ab 15 Personen) 8 Euro pro Person
Anmeldung: 01/52177-335, info@nhm-wien.ac.at
Forschungspfad durchs NHM
ab 19. Februar
2011
12 Forschungssäulen zeigen ab 19. Februar 2011 zwölf Monate lang eine in der
Öffentlichkeit bislang wenig bekannte Seite des Museums: Das NHM zählt zu den bedeutendsten naturwissenschaftlichen
Forschungseinrichtungen. Hinter den Kulissen arbeiten rund 60 ForscherInnen an zahlreichen Forschungsprojekten. Die
Forschungssäulen legen einen spannenden Forschungspfad durch das Museum.
Etwa 60 WissenschafterInnen
arbeiten in den wissenschaftlichen Sammlungen, Labors und Werkstätten des NHM an hochaktuellen, wissenschaftlich
interessanten, aber auch gesellschaftsrelevanten Forschungsprojekten. Damit zählt das NHM international zu den
bedeutenden naturwissenschaftlichen Forschungseinrichtungen.
Ein neues Projekt soll den BesucherInnen
diesen meist wenig beachteten Aspekt näher bringen: Unter dem Motto „Wege des Wissens“ stellen 12 Infosäulen aktuelle
Forschungsprojekte vor. Durch ihr modernes Design unterscheiden sich die Säulen klar von den historischen Vitrinen und
legen einen spannenden „Forschungspfad“ quer durchs Museum. Als Blickfang machen interessante Objekte auf die Inhalte
aufmerksam. Ein Kurztext auf der Vorderseite gibt eine rasche Übersicht über das jeweilige Projekt, ein ausführlicher
Poster auf der Rückseite vermittelt detaillierte Einblicke in die Thematik. Grafiken, Filme, Hörstationen und
interaktive Ladenelemente bieten zusätzliche Information.
Höhlen – Landschaften ohne
Licht
Hochparterre
ab 29. September 2010
Das Naturhistorische Museum präsentiert bis Sommer 2012 aktuelle Ergebnisse der Höhlenforschung und
macht die verborgene Welt und Schönheit von Höhlen sinnlich erfahrbar.
Höhlen sind geologische
Phänomene, aber auch wertvolle Archive der Natur und Zeugen der Menschheitsgeschichte. Über lange Zeiträume entstanden
unterirdische Landschaften ohne Licht, in denen sich speziell angepasste Ökosysteme entwickelten.
Karst ist ein Landschaftstyp, geprägt durch Wasser und die Löslichkeit von Kalkgesteinen. Spalten im Fels werden
dadurch oft zu tiefen, kilometerlangen Höhlen und weit verzweigten unterirdischen Entwässerungssystemen.
Die Ausstellung im Naturhistorischen Museum präsentiert die überraschende Vielfalt der Höhlen.
Tropfsteine und Kristalle, interaktive Installationen, ein audiovisueller Raum, Kurzpräsentationen von aktuellen
Forschungsergebnissen, Einblicke in die Trinkwasserversorgung von Wien mit Karstwasser sowie Streifzüge durch die 28
eindrucksvollen Schauhöhlen Österreichs machen die „Unterwelt der Natur“ mit ihren verborgenen Lebewesen sinnlich
erfahrbar.
Führungen für Gruppen und Schulklassen:
1
Stunde
Kosten: 2,50 Euro pro Person, mindestens 37,50 Euro
Schätze des
Archivs
Hochparterre
ab 29. September 2010
Die Abteilung „Archiv für Wissenschaftsgeschichte“ präsentiert der Öffentlichkeit bis Sommer 2012 eine
Auswahl ihrer Schätze in einem eigenen Schausaal.
Bis Sommer 2012 werden die kostbaren Exponate in
vierteljährigen Wechselausstellungen zu sehen sein. Aus konservatorischen Gründen dürfen die empfindlichen historischen
Objekte, wie z. B. Aquarelle und Zeichnungen, nicht länger als 3 Monate einer maximalen Lichtstärke von 100 Lux
ausgesetzt werden. Der Ausstellungszyklus beginnt mit einem Querschnitt durch die Besonderheiten des Archivs und
ermöglicht dem Publikum einen Einblick in die reichhaltigen Sammlungen dieser Abteilung des NHM.
Derzeit werden bis 3. Oktober 2011 in der Wechsel-Ausstellung „Schätze des Archivs“ einige Bilder aus der Sammlung von
Nikolaus Joseph Freiherr von Jacquin (1727 ? 1817, Professor für Botanik und Chemie sowie Direktor des Botanischen
Gartens der Universität Wien) gezeigt. Diese Sammlung war im Besitz des Journalisten und Gartenhistorikers Dr. Ernst
Moriz Kronfeld, wurde 1988 vom Naturhistorischen Museum über ein Antiquariat erworben und wird in Kürze nach einem
Beschluss des BMUKK an die Erben Kronfelds rückerstattet.
Wertvolle Autographen von Johann Wolfgang
von Goethe und Alexander von Humboldt werden ebenso gezeigt werden wie Bilder, die von Forschern während ihrer
Expeditionen angefertigt wurden oder als Vorlagen für Prachtwerke des 18.Jhs bei bedeutenden Künstlern in Auftrag
gegeben worden sind. Neben historischen Stereofotografien gibt es dreidimensionale Objekte zu bewundern, wie z.B.
Büsten von bekannten Naturforschern und sogar mikroskopische Präparate, die Kaiser Ferdinand „der Gütige“ persönlich im
19.Jh. angefertigt hat. Auch Teile der Galauniform der Aufseher, welche 1889 zur Eröffnung des neuen Museumsgebäudes an
der Ringstraße getragen worden sind, werden zu sehen sein.
Berührend wirken die aquarellierten
Zeichnungen, die Richard Payer im Amazonasgebiet auf Briefumschlägen anfertigen musste, nachdem ihm während einer
seiner Expeditionen sogar das Papier ausgegangen war. In der zweiten Hälfte des 19 Jhs. war der Bruder des berühmten
Polarforschers Julius Payer dreißig Jahre lang als Naturforscher im Amazonas- und Andengebiet unterwegs gewesen und hat
dem Archiv viele wertvolle Karten und Zeichnungen hinterlassen.
Zu den unbestrittenen Höhepunkten der
neuen Ausstellungsreihe zählen erst kürzlich wieder entdeckte Fotografien der Polarregion aus dem Jahre 1872, welche
der berühmte Expeditionsfotograf Wilhelm Burger während einer Forschungsreise mit dem Segelschoner „Isbjörn“ gemacht
hat und die zu den frühesten fotografischen Bilddokumenten der Polarregion gehören.
Die Abteilung
„Archiv für Wissenschaftsgeschichte“ des Naturhistorischen Museums umfasst nicht nur ein Archiv im herkömmlichen Sinn.
Die Abteilung ist auch eine Dokumentations- und Forschungsstätte für die Geschichte der Wissenschaften, besonders der
Naturwissenschaften. Die Bestände beinhalten viele bedeutende / einzigartige wissenschaftshistorische Quellen. Diese
werden von den MitarbeiterInnen des Archivs für die heutige Forschung erschlossen und von WissenschafterInnen
unterschiedlichster Fachrichtungen genutzt. Darüber hinaus werden die historischen Originale auch immer wieder für
Ausstellungen verliehen.
ÖFFNUNGSZEITEN: Do - Mo: 9:00 - 18:30 Uhr; Mi: 9:00 - 21:00
Uhr; Dienstag geschlossen
Naturhistorisches Museum Wien - Burgring 7,
1010 Wien (Eingang: Maria Theresien-Platz)
Tel. +43 (1) 521 77 - 335; Fax +43 (1) 523 52 54
E-Mail: info@nhm-wien.ac.at - Internet:
www.nhm-wien.ac.at
Schloss Schönbrunn GmbH
Neujahrsmarkt Schönbrunn
bis 1. 1. 2012
Der Weihnachtsmarkt verwandelt sich fast unmittelbar in einen Neujahrsmarkt. Ab dem 28. Dezember werden
traditionelle kunsthandwerkliche Gegenstände einschließlich einer breiten Palette an typischen Kleinigkeiten für den
letzten Tag im Jahr angeboten.
ÖFFNUNGSZEITEN: täglich von 10 – 18 Uhr
Intime Zeugen. Vom Waschtisch zum Badezimmer
bis 22. Jänner 2012
Thema der Ausstellung „Intime
Zeugen. Vom Waschtisch zum Badezimmer“ ist die Geschichte der Körperhygiene in Europa. Diese wird am Beispiel von
speziellen Hygienemöbeln und anderen Hygienerequisiten erzählt. Wie hat man sich bei Hofe gewaschen? Wie sahen die
ersten Bidets aus? Seit wann gibt es Badewannen? Was war eine Zimmerretirade, was ist ein Bourdalou? Diesen und anderen
Fragen wird auf den Grund gegangen.
Ausstellungsführungen: Samstag und Sonntag um 15
Uhr
Kuratorinnenführung mit Dr. Eva B. Ottillinger: am 15. Jänner um 15
Uhr
Finissage mit Führungen: am 22. Jänner um 11.00, 15.00 und 16.30
Uhr
ÖFFNUNGSZEITEN: Dienstag bis Sonntag 10 – 18 Uhr
HYGIENE: Produkt - Alltag - Zwang
bis 22. Jänner
2012
Was bedeutet Hygiene im 21. Jahrhundert? Das Wiener Designerduo DANKLHAMPEL
erkundigte sich bei BesucherInnen des Hofmobiliendepots nach ihren wichtigsten Hygieneprodukten, nach Alltagsritualen
und Hygienezwängen. Das Ergebnis dieser Befragung ist als Ausstellungsinstallation in den fünf Besuchertoiletten des
Hofmobiliendepots zu sehen und nachzulesen in der „Klozeitung“.
ÖFFNUNGSZEITEN:
Dienstag bis Sonntag 10 – 18 Uhr
Hofmobiliendepot • Möbel
Museum Wien - Andreasgasse 7, 1070 Wien
Tel. 01 / 524 33 57; Fax: 01 / 524 33 57 - 666
E-Mail: info@hofmobiliendepot.at; Internet:
www.hofmobiliendepot.at
Schloss
Schönbrunn GmbH - 1130 Wien
Telefon: 01 / 81113 - 239; Fax: 01 / 81113 - 333
E-Mail: reservierung@schoenbrunn.at - Internet:
www.schoenbrunn.at
Technisches Museum Wien
IN ARBEIT
seit 21. Oktober 2011
Die Ausstellung „IN ARBEIT“ zeigt, welche technischen Handwerkszeuge und Maschinen an Arbeitsplätzen zum Einsatz kommen
und wie sich Arbeitsplätze im Laufe der Geschichte verändert haben. Es wird thematisiert, welchen Einsatz der Mensch an
seinem Arbeitsplatz leistet und wie Arbeitsteilung, Rationalisierung und Automatisierung sich auf die Menschen
auswirken.
Das Spielfeld (für Familien und Kinder von 6-12 Jahren): Die Mitmachausstellung zur
Ausstellung „IN ARBEIT“ macht die Besonderheiten des Arbeitslebens und die Vielfältigkeit von Berufen an interaktiven
Stationen spielerisch erlebbar. Auf 500 m² können so junge Besucher mit dem „Ernst des Lebens“ spielen.
Unter Strom
bis 31. Mai 2012
Die Ausstellung „Unter Strom“ beschäftigt sich mit der Sammlung von Dr. Stefan Jellinek (1878–1968) und
der Gründung des Elektropathologischen Instituts als medizinische Auseinandersetzung mit den Gefahren einer neuen
Technologie, aber auch mit Aspekten der Sicherheitsforschung und der Therapie nach Schaden verursachenden
Naturereignissen wie etwa Blitzschlag.
ÖFFNUNGSZEITEN: Montag bis Freitag 9-18 Uhr;
Samstag, Sonn- und Feiertage 10-18 Uhr
Technisches Museum Wien -
Mariahilfer Straße 212, 1140 Wien
Besucher-Informationen: Tel. 01 / 899 98-0
E-Mail:
museumsbox@tmw.at - Internet:
www.technischesmuseum.at
Österreichische Mediathek
AKUSTISCHE WEBAUSSTELLUNGEN:
NEU: Gustav Mahler - Das Hofopernensemble der
Ära Mahler
Schellackaufnahmen 1902 – 1912 mit Leo Slezak, Anna von Mildenburg, Selma Kurz u. v.
a.
Unter: www.mediathek.at/virtuelles-museum/mahler
www.50jahre.mediathek.at
Unter
www.50jahre.mediathek.at finden Sie die Geschichte der
Österreichischen Mediathek, gegründet 1960, zum Nachhören.
Die Geschichte des Archivs ist vor allem
eine Geschichte der Sammlungen. Von der ersten Schallplatte, die am Beginn der Tonträgersammlung stand – das Konzert
für Klavier und Orchester op.21 in D-Dur von Joseph Haydn – bis zu den Interviews des derzeit laufenden
wissenschaftlichen Projektes „MenschenLeben“ bieten die ausgewählten Ton- und Filmdokumente einen Überblick über das
stetige Wachsen sowie die breite inhaltliche Ausrichtung des Archivs.
Hören Sie, was Ingeborg Bachmann,
Bruno Kreisky, Elias Canetti, Kardinal König, Erwin Ringel, Barbara Frischmuth, Anna Freud, Erika Weinzierl oder
Friedrich Torberg zu sagen haben – viele Aufnahmen von der Österreichischen Mediathek selbst produziert und damit
Unikate, die jetzt erstmals online zur Verfügung stehen.
www.journale.at
Die Hörfunkjournale des ORF gehören zu den wichtigsten akustischen Dokumenten der österreichischen
Zeitgeschichte. Nach der Rundfunkreform 1967 wurde mit den Journalen eine neue Form der Nachrichtensendung eingeführt.
Eine zentrale Rolle nahm (und nimmt bis heute) dabei das Mittagsjournal ein, eine einstündige Sendung mit ausführlichen
Informationen zum tagesaktuellen Geschehen.
Unter www.journale.at sind derzeit rund 5.000 Stunden Sendezeit digital in voller
Länge abrufbar, der Schwerpunkt liegt hier bei den Mittagsjournalen. Das entspricht über 60.000 Einzelbeiträgen sowohl
zu österreichischen als auch internationalen Themen aus Politik, Wirtschaft und Kultur der Jahre 1967 bis 1989.
www.akustische-chronik.at
www.akustische-chronik.at bietet als größte multimediale
Webausstellung zur österreichischen Geschichte des 20. Jahrhunderts hunderte Töne und Videos: Zeit- und
Kulturgeschichte in einer Form, die unmittelbar beeindruckt. www.akustische-chronik.at lehrt mit Medien historische Bezüge zu
entdecken, sensibilisiert in Sachen Medienkompetenz und zeigt, wie vielstimmig Geschichte und die Erinnerung an sie
sein kann. Ein akustisches Kompendium des 20. Jahrhunderts und ein Vehikel für Zeitreisen, mit dem man spielerisch die
Klanglandschaft der Vergangenheit erkunden kann. Stimmen als Teil des kollektiven historischen Gedächtnisses
Österreichs; eingebettet in ihren Kontext, ergänzt durch Hintergrundinformation und ausführliche Chronikdaten.
Eine multimediale Webausstellung von 1900-2000.
Howdy – Günther Schifter
Günther Schifter war ab den 1950er Jahren einer der bekanntesten Moderatoren des Österreichischen
Rundfunks und brachte in seinen Sendungen Jazz und Swing einem breiteren Publikum näher. Daneben erwarb sich Schifter
eine der größten Schellacksammlungen mit zahlreichen raren Aufnahmen amerikanischer Jazzgrößen.
In
ihrer Webausstellung präsentiert die Österreichische Mediathek einige der besten Schellacks daraus, ergänzt durch
zahlreiche Ausschnitte der mittlerweile zu Klassikern gewordenen Sendungen und 50 Radiosendungen von und mit Günther
Schifter in voller Länge.
Unter: www.schifter.mediathek.at
Mozart – Runde
Geschichten. Eine akustische Hörreise.
Einspielungen aus der Schellack-Ära mit Interpretationen
von Bruno Walter, Selma Kurz, Yehudi Menuhin und vielen anderen vermitteln ein Bild von Mozarts Musik, das geprägt ist
vom Interpretationsstil und dem Musikgeschmack der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts sowie der besonderen
Charakteristik des Mediums.
Hörproben von Briefen Mozarts, literarischer Werke sowie Eindrücken von
Zeitgenossen runden die Webausstellung ab.
Unter: www.mozart.mediathek.at
www.staatsvertrag.at
www.staatsvertrag.at, die akustische Webausstellung der
Österreichischen Mediathek bringt hunderte Töne und Videos zu Politik, Alltag, Lebensgefühl und Kultur von 1945 bis
1955 ins Haus. Darunter finden sich zahlreiche bisher unveröffentlichte Tondokumente aus den Archiven der Mediathek,
wie Materialien des legendären Radiosenders Rot-Weiß-Rot. Ergänzend dazu werden wichtige Hintergrundinformationen zu
den Tönen, ihrem Umfeld und ihrer Geschichte geliefert.
ÖFFNUNGSZEITEN: Montag,
Mittwoch, Donnerstag: 12–18 Uhr; Dienstag: 12–20 Uhr; Freitag: 10–15 Uhr
Österreichische Mediathek (Außenstelle des Technischen Museums Wien)
Marchettischlössl,
Gumpendorfer Straße 95, 1060 Wien; 1. Stock (Lift)
Tel.: +43-1/ 597 36 69-20; Fax: +43-1/ 597 36 69-25
E-Mail: mediathek@mediathek.at - Internet:
www.mediathek.at
Österreichische Nationalbibliothek
Die Legionäre des Kaisers
Soldatenleben im römischen Ägypten
bis 14. Jänner 2012
Die Ausstellung im Papyrusmuseum
wirft ein völlig neues Licht auf das berühmte Heer des Imperium Romanum. Sie gibt faszinierende Einblicke in den Alltag
und die Lebensumstände der Soldaten und ihrer Familien.
Gezeigt werden historisch bedeutende und
inhaltlich abwechslungsreiche Schriftstücke, welche die Facetten des dienstlichen und privaten Lebens dieser am besten
dokumentierten Berufsgruppe des Altertums beleuchten und erläutern.
In den zur Schau gestellten Papyri
treten uns die Soldaten jedoch nicht als martialische Militaristen entgegen, sondern als fest in der Gesellschaft ihrer
Provinz verwurzelte Diener des Staates und Garanten der Sicherheit, bisweilen auch als tüchtige Geschäftsmänner und
sorgende Familienmitglieder.
Eintritt: € 3,- / ermäßigt: € 2,50
Papyrusmuseum der Österr. Nationalbibliothek - Heldenplatz, Neue Burg,
Mitteltor, 1010 Wien
ÖFFNUNGSZEITEN: Di-Sa 10-18 Uhr, Do 10-21 Uhr
Von Fischen, Vögeln und Reptilien
Meisterwerke aus den kaiserlichen
Sammlungen
bis 29. Jänner 2012
Prunksaal
Zwei außergewöhnliche Bilderzyklen mit einzigartigen Tierdarstellungen aus dem 16. und 17. Jahrhundert
werden – nach umfassenden Konservierungs- und Restaurierungsarbeiten – zum ersten Mal gemeinsam der Öffentlichkeit
präsentiert.
Mit dem zweibändigen Werk, dem so genannten „Bestiaire“ aus dem Besitz Rudolfs II.
(1552-1612), und den Tierillustrationen aus der Sammlung von Ferdinand II. (1529-1595), Erzherzog von Tirol, zeigt die
Schau zwei beeindruckende Bestände der Österreichischen Nationalbibliothek.
Mit über 90 Objekten bietet
die Ausstellung bemerkenswerte Einblicke in die Bildwelten der frühen Neuzeit, die durch eine außerordentliche
Farbenpracht und Exaktheit in der Darstellungsweise bestechen.
Eintritt: € 7,- / ermäßigt: € 4,50
ÖFFNUNGSZEITEN: Di-So 10-18 Uhr, Do 10-21 Uhr
Österreichische Nationalbibliothek - Josefsplatz 1, 1015 Wien
Telefon: (01) 53 410 - 261
oder 464
E-Mail: oeffentlichkeitsarbeit@onb.ac.at - Internet:
www.onb.ac.at
Österreichisches Museum für Volkskunde
Betlehemy - Keramikkrippen aus der Slowakei
bis 12. Februar
2012
Die Faszination, das Geschehen der Heiligen Nacht jedes Jahr aufs Neue lebendig
werden zu lassen, steht hinter dem Bemühen, die Geburt Jesu in Form von Weihnachtskrippen künstlerisch umzusetzen. Die
keramischen Arbeiten aus der Slowakei, gestaltet von Meistern der Volkskunst wie Viliam Bazlik, Ignác Bizmayer,
Drahoslav Chalány, Jozef Franko, Maria und Oskar Hanusek, Ferdiš Kostka, Júlia Kováčiková-Horová, Dagmar Kratochvílová,
Marián Liška, Ján Pečuk, Kornélia Püssová, Jana Randušková und Leopold Velan zeigen sich farbenfroh und ausdrucksstark.
Die Krippenfiguren stehen entweder frei oder sind durch einen Rahmen verbunden. Manche KeramikerInnen lassen das
weihnachtliche Geschehen in einem Haus spielen und kleiden ihre Figuren in slowakische Tracht. Für andere bietet die
Mulde eines breitrandigen Tellers den idealen Hintergrund für die plastische Szene. Typisch slowakisch sind die drei
„kolednici", Weihnachtsliedsänger, die an die Sternsinger erinnern. Außergewöhnlich ist die Gestaltung der
Weihnachtsgeschichte als Triptychon in Form eines Flügelaltares in Fayence.
Figurale Keramik aus
der Slowakei
Der Nationalkünstler Ignác Bizmayer
bis
12. Februar 2012
Zwischen 1945 und 1989 wurde in der Tschechoslowakei der Ehrentitel
„Nationalkünstler" verliehen. Der Keramiker Ignác Bizmayer erhielt ihn 1982 für sein Werk. Er beschäftigt sich darin
intensiv mit der Landbevölkerung, ihren Trachten, ihren Legenden und ihrer Frömmigkeit. Der heute 89jährige Slowake
reiht sich damit unter jene Nationalkünstler, die großen Anteil an der künstlerischen Produktion des 20. Jahrhunderts
hatten.
Mit einem breiten Spektrum an Objekten zeichnet die Ausstellung Bizmayers Leben parallel zur
nationalen Geschichte nach und beleuchtet kulturhistorisch das Phänomen der „Nationalkünstler". Den Schwerpunkt der
Schau bildet sein künstlerisch-handwerkliches Oevre.
Familienmacher
Vom Festhalten, Verbinden und Loswerden
bis 25. März
2012
Eine Kooperation von Universität Wien, Universität für angewandte Kunst
und dem Österreichischen Museum für Volkskunde
Mit wem sind Sie verwandt? Wer macht
die Familienfotos? Wieviel Verwandtschaft ist in Deinem Handy? Wo lagern Sie ungeliebte Erbstücke? Wohin mit dem Bild
vom Babybauch? Wer kommt in den Wechselrahmen? Hat die Familie eine Nationalität? Die Ausstellung Familienmacher
basiert auf einer ethnographischen Forschung im 8. und 16. Wiener Gemeindebezirk.
Entgegen der
Behauptung eines Zerfalls der Familie dokumentiert sie Alltagsformen des Festhaltens, Verbindens und Loswerdens. Dabei
spielen Traditionen und Bilderbuchfamilien ebenso eine Rolle wie Sehnsüchte und neue Lebensweisen.
Offene Vitrinen bieten Platz für mitgebrachte und dagelassene Familienstücke, ein überdimensionales
Familienalbum gestaltet sich im Laufe der Ausstellung immer wieder neu.
ÖFFNUNGSZEITEN:
Dienstag bis Sonntag: 10 – 17 Uhr (Montag geschlossen)
Österreichisches Museum für Volkskunde - Gartenpalais Schönborn, Laudongasse 15-19, 1080 Wien
Tel.: +43 1 406 89 05; Fax: +43 1 408 53 42
E-mail:
office@volkskundemuseum.at - Internet:
www.volkskundemuseum.at
Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien
BILDER IM FOCUS: Bouquet und Früchtekorb
bis 29. Jänner
2012
Die Gemäldegalerie präsentiert eine kleine feine Auswahl von üppigen Blumen- und
Früchtestillleben des österreichischen 18. Jahrhunderts aus eigenem Bestand. Die Gegenüberstellung mit einzelnen
vergleichbaren Werken des holländischen 17. Jahrhunderts aus erlaubt einen Blick auf die Entwicklung dieser
traditionsreichen Genres im Barock.
GIPS FOLGT STEIN.
Das
Keckmann-Grabdenkmal aus St. Stephan
bis 12. Februar 2012
Die Ausstellung ist das Ergebnis der Zusammenarbeit von Bundesdenkmalamt, Dombauhütte zu St. Stephan
und Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien.
Im Zentrum steht die Präsentation eines
herausragenden Werks des österreichischen Spätmittelalters aus dem Kreis um Michael Tichter und Meister Anton Pilgram:
das Keckmann-Epitaph aus St. Stephan. Das Grabdenkmal des 1512 verstorbenen Wiener Universitätsprofessors Johannes
Keckmann wird nach der soeben abgeschlossenen Restaurierung durch das Bundesdenkmalamt der Öffentlichkeit vorgestellt,
bevor es an seinen angestammten Platz in die Domkirche zurückkehrt. In Augenhöhe können nicht nur die qualitativ
hochwertigen Reliefs mit ihren fein ausgearbeiteten narrativen Details betrachtet werden, sondern auch die spannende
Dokumentation von Restauriergeschichte und Untersuchungsergebnissen zu Entstehungsprozess und ursprünglichem farbigen
Erscheinungsbild.
Die Verbindung zwischen Akademie, Dombauhütte und Bundesdenkmalamt erklärt sich in
einem weiteren Aspekt der Ausstellung, der sich den ebenfalls restaurierten Gipsabgüssen des Keckmann-Epitaphs widmet,
die heute noch in der Glyptothek der Akademie aufbewahrt werden. Wie auch die ebenfalls gezeigte Gipsabformung von
Meister Pilgrams "Orgelfuß mit Selbstporträt" gehören sie als Zeugnisse der hohen Wertschätzung mittelalterlicher Kunst
zu den zahlreichen Abgüssen, die die Akademie im "Gotik-Hype" des 19. Jahrhunderts von Kunstwerken aus dem Stephansdom
anfertigen ließ.
ÖFFNUNGSZEITEN: Dienstag – Sonntag, Feiertag: 10.00 – 18.00
Uhr
Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien - Schillerplatz
3, 1010 Wien
Tel. (01) 588 16 – 2222; Fax: (01) 586 33 46
E-Mail:
gemgal@akbild.ac.at - Internet:
www.akademiegalerie.at
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